Pintores y artistas colombianos

Juan Camilo Londoño Manco:

2011-12-31T11:22:00.000-08:00

Exposición en el Museo de Antioquia: Taller de construcción del MDE11

Nació en Medellín (Colombia) en 1990, ciudad en la que vive y llevó a cabo sus estudios de Artes Plásticas en la Universidad de Antioquia. Diplomado en museología-museografía y estudios curatoriales Universidad Santo Tomás.

Juan Camilo es un artista joven, con tan solo dos décadas de vida, ya se perfila como uno de los más notables artistas contemporáneos colombianos, con temática que cuestiona paradigmas, normas impuestas por la sociedad y desde el poder, aquello que va en contravía de lo ideal que se ha tratado siempre de mostrar. Creando imaginarios cuya puerta de entrada es el asombro.

Aunque ha incursionado en todos los campos del arte como la pintura, la fotografía, grabado, ha preferido incursionar en el performance y la acción plástica, realizando intervenciones en espacios públicos, ya que no es el objeto sino el sujeto el principal elemento constitutivo de su obra artística.

Exposiciones colectivas como:

“Entre líneas”, Cámara de Comercio de Medellín para Antioquia;

“Confluencias” con el colectivo lengüita, Décima Bienal de Arte de Bogotá;

XIII Salón Regional de Artistas Zona Centro-Occidente, como parte del colectivo Lengüita Producciones.

“Ex_tación canal”Taller sitio estudio Prado Centro Medellín,

Tercer Festival de Performance de Medellín, en el que ganó mención de honor.

Participó con un Performance en el Festival de arte contemporáneo comuna 4 2011

Participación en el Taller de construcción del MDE11 Museo de Antioquia.

“ Imagen regional” Banco de La república.

“Ovejas” Seleccionado en la Bienal de Arte comfenalco para la exposición colectiva.

Ángel Loochkartt:

2011-12-25T15:32:00.000-08:00

Los espejos estruscos:

Nació en 1933, en Barranquilla, Colombia. Realizó estudios de Bellas Artes en Roma donde aprendió las técnicas de mural, grabado y pintura de caballete. Desde 1971 se vinculó por dos décadas al Departamento de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia.

Ha realizado exposiciones en Italia, Francia, Estados Unidos, México y Colombia. Haciendo parte del grupo llamado Expresionismo Colombiano, al cual pertenecen también: Leonel Góngora, Carlos Granada, Pedro Alcántara Herrán, Antonio Samudio y Augusto Rendón.

Durante los años sesenta Loochkartt inició su indagación exhaustiva en los habitantes de la noche, que todavía no ha terminado.

Su obra se caracteriza por extraordinario colorido, ángeles eróticos de gran formato, figuras referentes al Carnaval de Barranquilla (congos, marimondas), travestis y seres de la noche, y una búsqueda en los rostros de la realidad que a veces lo acercan al universo de Goya, siendo uno de los artistas latinoamericanos de mayor reconocimiento internacional.

Con un estilo expresionista y gran contenido erótico comenzó sus emblemáticas series urbanas de transexuales, hampones, prostitutas, tanguistas, mendigos y figuras de carnaval, las cuales se fueron involucrando en el imaginario estético de Colombia. Pieles trémulas, huellas del peligro en rostros sombríos, geografía convulsa de esos habitantes en medio del amor y el desamor, cuerpos torrentosos donde el movimiento es condición fundamental, demostrando maestría de trazos y colores ejerciendo gran influencia en las generaciones posteriores. En su colección de "Malsentadas", lo femenino es expuesto con gran colorido y lúdica.

Son notables los ensayos de Samuel Montealegre, Germán Rubiano Caballero, Fernando Guinard, Eduardo Márceles Daconte, Francisco Gil Tovar y Gonzalo Márquez Cristo, especialista en su obra, quien además realizó una extensa entrevista con el artista titulada: "¿Qué color me buscara mañana?".

Sus obras han ilustrado tres libros de la Colección Internacional de Literatura Los Conjurados. Con-Fabulación 100. La revista Común Presencia, número 11 le rindió un extenso homenaje a su obra. En la gran encuesta convocada en 2009 por el Museo de Arte Erótico Americano y por Con-Fabulación, participaron centenares de críticos e intelectuales ocupó el puesto séptimo entre los más destacados artistas plásticos colombianos de todos los tiempos.

«Yo pinto para ser libre, es decir para no estar solo. Para compartir mi respiración y mi huella dactilar, mi taquicardia... Y para continuar pegado a mi sombra». —dice Ángel Loochkartt

(Fragmento tomado del texto La ofrenda del instante de la autoría de Gonzalo Márquez Cristo).

Premios:

Primer Premio en el Salón Nacional de Artistas de Colombia de 1986. La Mención de Honor, Festival de Arte Azuza, California (U.S.A., 1961). Medalla al mérito de la Fundación Leonardo Da Vinci (Bogotá, 1977). Premio Cristóbal Colón, Planetario Distrital (Bogotá, 1986). Premio Vida y Obra 2011 de la Secretaría de Cultura de Barranquilla.

Gonzalo Ariza:

2011-09-25T22:01:00.000-07:00

Arco Iris:

Llovizan en Choachi:

Eucaliptus:

Camino de San Javier:

Ocobo:

Nació en Bogotá, Colombia en 1912, murió en 1995.

En 1924 participó en un concurso de pinturas infantiles y ganó. Entre 1931 y 1935 estudió en la escuela de Bellas Artes, donde se inclinó por los movimientos cubista y surrealista. El gobierno le concedió beca para estudiar en Japón donde estudió grabado, aguafuerte, litografia y acuarela. Regreso al país en 1938. En 1940 participó en el Primer Salón de Artistas Colombianos. Siendo profesor de la Academia de Bellas Artes entre 1940 y 1942.

Participó en 1943 en una exposición colectiva en la Biblioteca Nacional. En 1945 inaugura una individual en la Biblioteca Nacional de Bogotá y publica su ensayo: Pintura en Colombia. Obtuvo el primer premio en el VII Salón de Artistas Colombianos con su obra cuadro Montañas de tierra templada. En 1946 expuso en la Biblioteca Nacional.

En 1953 contrajo matrimonio con Susana Rubio de este matrimonio nacieron tres hijos: Alfonso, Francisco y María de la Paz, quienes también se dedican a la pintura. En 1955 expuso en el Museo Nacional 44 de sus obras con paisajes y flora de La Mesa y de la Sabana de Bogotá. De 1955 a 1957 viajó al Japón para desempeñar en la Embajada de Colombia en Tokio, el cargo de primer secretario. En 1957 exhibió en la Galería Daimarú en Tokio, 27 paisajes japoneses en la muestra titulada "La primera exposición, de obras hechas por un latinoamericano en el Japón". En 1984 Villegas Editores publicó un libro sobre el "Río Bogotá", ilustrado con sus cuadros. Fue galardonado en 1985 con la orden Kun Santo Zuimoshio del gobierno japonés. La Galería Alfred Wild expone una amplia muestra de sus cuadros en 1985. Son famosos sus paisajes: Cafetal (1964), Camino de herradura (1973), Frailejones en Chingaza (1974), El monte Fuji y el lago Ashiroko (1975), Cielo de Bogotá (1978).

Sus obras tenían grandes contrastes. Once de estos trabajos fueron donados recientemente por su familia al Museo Nacional.

De grabados pasó a las acuarelas, siguiendo técnicas aprendidas en Japón, sugiriendo con pocas pinceladas una impresión, "un sentido nostálgico de la naturaleza y el empleo de aguadas para conseguir su famosa neblina ambiental".

Enrique Grau:

2011-07-06T17:20:00.000-07:00

Joven con Paraguas:

Niña desnuda:

Nació en Cartagena, Colombia, el 18 de diciembre de 1920 murió el 1 de abril de 2004, a los 83 años de edad. Renombrado por sus retratos de figuras Amerindias y Afro-Colombianas, ganó el Salón Nacional de Artistas de Colombia. Grau fue miembro la terna de importantes artistas colombianos del Siglo XX que incluyó a Fernando Botero y a Alejandro Obregón.

A comienzos de los años 40s estudió en la Liga de Estudiantes de Arte en Nueva York, EE.UU. Posteriormente viajo a Italia, aprendiendo técnicas de pintura antes de regresar a Cartagena.

Sus asociaciones con las figuras blancas, negras e indígenas le dieron la fama internacional, realizando exhibiciones de arte en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y en el Musée National d'Art Moderne de París. Grau donó 1.300 de sus trabajos de arte (incluyendo algunos de otros artistas) a la ciudad de Cartagena; dichas obras fueron usadas para un museo en su honor abierto a finales del 2004.

Estudios:

Pintura y artes gráficas en el Art Students League, New York de 1940 a 1943. Pintura mural en diferentes técnicas en la Escuela de Bellas Artes de San Marco, Florencia, Italia de 1955 a 1956.

1950 - 1963: Profesor de pintura dibujo y artes gráficas en la Universidad Nacional, Bogotá.

1961 - 1963: profesor de dibujo en la Escuela de Bellas Artes en la Universidad de los Andes, Bogotá. 1972 - 1992 Presidente Vitalicio del Museo de Arte Moderno de Cartagena.

EXPOSICIONES:

-80 exposiciones individuales y más de 190 exposiciones colectivas, entre ellas tenemos:

En la "Exposición de Artistas de las Naciones Unidas", en Nueva York; en la "Exposición de Artistas Latinoamericanos del Instituto Americano de Decoradores"; también en Nueva York; en el "Arts and Memorial Grafts of Latin America"; en el "Books Memorial Gallery de Memphis"; en la "Unión Panamericana", de Washington; en varios salones de Artistas Nacionales de Colombia; en la "Exposición de Arte en América" del Instituto Americano de Washington.

1956: Prix Guggenheim, Museo de Arte Moderno, Paris. 1957 Panamerican Union, Washington D.C. 1957 Roland De Aenlle Gallery, New York. 1957 IV Bienal de Sao Pablo Brazil.

En 1958: Pittsburg International Exhibition. Guggenheim International, Guggenheim Museum, New York.

1973: Retrospectiva, Museo de Arte Moderno, Bogotá.

1981 y 1987: Aberbach Fine Arts, New York. 1986 FIAC, Paris.

1991: Homenaje Nacional en sus 50 años de vida profesional con 18 exposiciones simultaneas. 1996: The Godwuin Ternbach Museum Flushing, New York City University.

2002 Museo de Arte Moderno, Bogotá.

BECAS:

Beca para estudiar pintura en los E.E.U.U. otorgada por el Gobierno Colombiano de 1940 a 1943.

BECA Secretaría de Educación de Cartagena para estudiar Arte en Florencia y París de 1954 a 1957.

PREMIOS:

1940 Primera Mención Honorífica, I Salón Anual de Artistas Colombianos.

1943 Premio "VII Anual Competitive Exhibition", A.C.A. Gallery, New York.

1946 Primer Premio "Segundo Salón de Artistas Colombianos Costeños", Barranquilla.

1954 Primer Premio "Primer Salón de Pintura Colombiana", patrocinado por el Club Rotario, Biblioteca Nacional, Bogotá.

1957 Primer premio de pintura X Salón de Artistas Colombianos.

1958 Primer premio de dibujo XI Salón de Artistas Nacionales.

1962 Premio Ministerio de Educación XIV Salón de Artistas Colombianos.

1959 Primer Premio Nacional "Salón de Artes Latinoamericano". Palacio de la Inquisición, Cartagena.

1960 Primer Premio "Salón Nacional de Pintura", Cúcuta.

1960 Segundo Premio "Primer Salón Internacional de Pintura", Biblioteca Departamental, Barranquilla.

1962 Premio Ministerio de Educación "XIV Salón de Artistas Colombianos" Bogotá.

1963 Premio Oficina de Turismo "Segunda Bienal de Pintores Iberoamericanos", Barranquilla.

OTROS DATOS:

Director de varias películas. Asesor artístico de instituciones industriales artísticas del país. Ha sido condecorado por entidades municipales departamentales e internacionales. Asesor Artístico de la International Petrolium (INTERCOL), DE 1954 a 1958.

Jefe del Departamento de Escenografía de la Televisora Nacional, Bogotá, 1954.

Asesor Artístico para la exposición "Dos Mil años de Arte Colombiano", presentada en Miami y Washington, U.S.A. en 1960.

"Hijo Dilecto" de Cartagena, Cámara de Comercio, Cartagena, 1968.

Doctor Honoris Causa, Universidad de Cartagena, 1969.

Miembro Asociado de la Sociedad Bolivariana de Arquitectos, 1971 Caracas, Venezuela.

Presidente de la Junta Directiva y Director del Museo de Arte Moderno de Cartagena, 1972 -1981.

Invitado al "Primer encuentro Iberoamericano de Críticos de Arte y Artistas plásticos", Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela, 1978.

Jurado de la 4ª Bienal Americana de Artes Gráficas, Cali. 1981.

Asesor Artístico de la exposición "Un Siglo de Moda en Colombia", 1830 -1930. Fondo Cultural Cafetero, Bogotá. 1981.

Jurado Salón de Arte Joven, Museo de Zea, Medellín. 1982.

"Ciudadano Emérito de Cartagena", 1983.

Medalla Cívica en el grado de "Comendador", Alcaldía Mayor de Cartagena 1986. Jurado del XXX Salón Anual de Artistas Colombianos en 1986, Bogotá.

Medalla Instituto Colombiano de Cultura otorgada por la Dirección del Instituto Colombiano de Cultura. 1986.

Presidente del Jurado del III Festival de Cine de Bogotá en 1986.

Miembro del Jurado, Gran Parada, Carnaval de Barranquilla, 1987.

Huesped Ilustre de Cúcuta", Alcaldía de Cúcuta 1987.

COLECCIONES:

San Diego Art Museum, California. Museum Of The Americas, Washington. Houston Museum Of Art. Molaa Museum Of latin American Art. Long Beach, California. Gallerie Degli Uffizzi, Florencia Italia. Hommage Aux Prix Nobel, Malmo, Suecia. Borgesson, Colección, Estocolmo. Museos y colecciones privadas en Colombia.

Alfredo Vivero

2011-04-10T20:46:00.000-07:00

Nació en 1951 en Corozal (Sucre), Colombia. Pintor y escultor. Estudió arquitectura en la Universidad la Gran Colombia. Recibió la Orden Civil al Mérito José Acevedo y Gómez (en 2004), recibío en 1991 el premio la orden Mariscal Sucre de Colcultura.

Sus obras han aparecido en varias portadas de revistas y calendarios. En el 2004 expuso en “Latin American Artist Studio” bajo el título “Magia, mito y leyenda”, en San Diego-California, muestra que previamente había expuesto en Bogotá, Ibagué, Sincelejo y Miami (Contemporary Art Foundation Gallery).

Exposiciones: Ficciones (1986), Laberintos del silencio (1983), Resurrección del mito (1982), Canción de la vida total (1981), Sueños (1980).

En 1996 fue seleccionado por la empresa Adpostal para la edición de cuatro estampillas con la serie Mitos y Leyendas de Colombia.

Ha realizado varios murales, entre ellos: Visa deportiva (Parque Jhon F. Kenedy, Bogotá, 1984); Schin-Ghui-Tai (Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, 1982); El testigo (Círculo de Periodistas, Bogotá, 1981). El hombre nuevo (Catedral de Corozal, 1981).

Aluna en el principio:

El espíritu del guerrero:

Armando Villegas

2011-03-28T23:21:00.000-07:00

Armando Villegas es un gran pintor peruano-colombiano (nacido en 1926 en Pomabamba, Ancash, Perú).

Estudió primaria y secundaria en el Colegio Nacional Guadalupe en Lima y en 1950 se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú con el título de profesor de dibujo y pintura.

En diciembre de 1951, llegó a Bogotá (Colombia), para ingresar en 1952 como becado a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia, realizando un Postgrado en pintura mural, con el pintor muralista Ignacio Gómez Jaramillo y se radicó definitivamente en Colombia.

En 1953 egresó de la Universidad Nacional de Colombia, con postgrado de Maestro en Pintura mural. Estos años de estudios en Bellas Artes, colaboró con la Galería de Arte El Callejón de Bogotá, en donde se vinculó con lo más selecto de los intelectuales, políticos, y artistas jóvenes de la capital de aquel momento.

En esa misma galería en 1954 presentó su primera muestra individual profesional, inaugurada por el escritor Gabriel García Márquez, quien dijo: “Tengo la satisfactoria impresión, de estar asistiendo al principio de una obra pictórica asombrosa”. Desde esto su actividad artística ha sido permanente al igual que su actividad docente, ha sido reconocido como trabajador e investigador incansable, abarcando distintos campos expresivos. Considerado en América Latina uno de los precursores de la abstracción, al igual que Fernando de Szyszlo, en Perú, y en Colombia Marco Ospina, Eduardo Ramírez Villamizar, y Edgar Negret.

Su gran aporte al arte abstracto es atribuido al ser uno de los primeros en explorar en la profundidad de los diseños precolombinos peruanos, sustentados en su cultura quechua de profunda raigambre indígena, lo cual el artista adopta y plasma como constante de identidad en sus obras.

Durante las décadas de 1950 y 1960, con la tendencia abstracta alternó en certámenes internacionales representando a Colombia al lado de artistas como Alejandro Obregón, Fernando Botero, Guillermo Wiedeman, Enrique Grau, y Eduardo Ramírez Villamizar. Esta élite de artistas representa históricamente en sentido paradigmático el nacimiento del Arte Moderno en Colombia. En 1957 fue contratado por la Gobernación de Antioquia en Medellín (Colombia), para dictar un taller de Arte sugerido por el entonces Secretario de Educación Leonel Estrada.

Permaneció aproximadamente un año en Antioquía, motivando la generación de jóvenes artistas de esa región, y con su versatilidad creadora contagió e influyó a los jóvenes hacia el campo de la investigación en el arte, utilizando distintos medios materiales no tradicionales. Su aporte fue definitivo para la formación del movimiento vanguardista de artistas antioqueños. En 1958 viajó a Washington invitado por José Gómez Sicre, quien entonces era director de la Sala de exposiciones de la Unión Panamericana para exponer allí; siendo éste su primer contacto con los Estados Unidos, tuvo allí la oportunidad de relacionarse con artistas de su generación como José Luis Cuevas, Rodolfo Abularach, y otros artistas latinoamericanos del momento.

Es reconocido en Colombia también como el único exponente del Realismo Fantástico en las artes plásticas, el cual cultivó más de dos décadas, después de haber dejado la abstracción al principio de la década de 1970. En 1973 viaja a República Dominicana como promotor artesanal encargado por la O.E.A. debido a que en Colombia había sido pionero en la artesanía artística. Se vincula a los medios culturales Dominicanos, y es justo allí, inspirado por el contacto directo de su espíritu Andino con la atmósfera del Caribe, en dónde empieza a gestar aquellos personajes de su iconografía fantástica, los cuales han prevalecido hasta hoy en el inconsciente colectivo nacional e internacional.

En 1977 viajó a México donde intercambió conceptos con el maestro Rufino Tamayo. Así mismo mantuvo una estrecha amistad con el maestro ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, entre otros. Simultáneamente con esta tendencia figurativa no dejó de explorar otros campos como el collage, construcciones en distintos materiales y reciclajes, ensamblajes, esculturas blandas y en bronce. Los cuales gravitaron en su totalidad en los compromisos que el artista ha tenido para exponer tanto a nivel nacional como internacional.

Se destacan especialmente exposiciones en la Feria Internacional de Basilea (Suiza) en 1984, Seúl (Corea del Sur) invitado por la Universidad de Dankook como la primera muestra individual que realizaba un artista suramericano como exponente del Realismo Fantástico en las artes plásticas, Tokio, y Nueva York entre otras. En 1986 viaja a Santa Marta (Colombia) por estrechos vínculos familiares. Allí, conmovido por la solemnidad del paisaje de San Pedro Alejandrino visualiza la posibilidad de rendirle un homenaje al Libertador Simón Bolívar, en el lugar en donde dejara de existir; siendo gestor, fundador, y primer director de un museo con la participación de lo más representativo y selecto de la plástica de los países Bolivarianos, hoy Museo de Arte Contemporáneo Bolivariano de Santa Marta, Colombia. En 1993, recibió la nacionalidad colombiana de manos del entonces Presidente de Colombia, César Gaviria. Pocos días después de su nacionalización, viajó a Cali para presentar su última exposición personal.

A pesar de su larga residencia en Colombia, donde se nacionalizó, nunca olvida su origen peruano. Varias veces viaja al Perú a presentar sus exposiciones individuales. En Bogotá trabajó como agregado cultural de la Embajada del Perú en Colombia.

En el nuevo milenio, a partir del año 2002, abrió un espacio simultáneo a su obra de la figuración, y retoma la abstracción que practicó durante los inicios de su carrera, de los años 1950 a 1971. En ese momento su obra tiene un espíritu tanto juvenil como maduro desde el punto de vista creativo, demostrando en sus obras resultados certeros, siempre sustentados en sus raíces precolombinas ahora con mucha más fuerza y seguridad, utilizando para ello recursos materiales y técnicos acordes con el tiempo histórico en que vive, y argumentado en más de medio siglo de estudio, experiencia e investigación y constancia. Una de las grandes virtudes de Villegas, es ser prolífico, y que su obra ha sido siempre controversial por su espíritu creativo para imponer distintas variantes, abstracción, tendencia figurativa, cubismo, etc, y así crear durante toda su trayectoria, una gama de posibilidades que debe tener el artista para demostrar su amplio horizonte en el campo de la creación. Su verdad es que el artista permanentemente debe estar en la búsqueda de distintas posibilidades para recrear su imaginación. Sin olvidarse de sus orígenes y terruño, mantiene los ojos y la mentalidad abierta para percibir todos los influjos que vienen, inmersos en esas raíces profundas como testimonio de su identidad en el mundo.

Su estudio en Bogotá (Colombia), como lo define él mismo, es un laboratorio de inquietudes que hacen volar la imaginación. Ha recibido distinciones notables por sus aportes a la cultura latinoamericana, y sus obras se encuentran en varias colecciones particulares, y en museos nacionales e internacionales tales como los de: Israel, Suecia, Argentina, Brasil, Caracas, México, Nueva York, Washington, La Unión Panamericana, el Instituto de Arte de Chicago, y el Instituto de Arte Contemporáneo de Lima, Perú.

Nostalgia:

Sin título:

Hombre caimán:

Gregorio Cuartas

2011-03-27T19:52:00.000-07:00

Gregorio Cuartas es un pintor de Antioquia, Colombia, 1938, que vive temporadas en Italia y otras en Francia, donde realiza su decantada obra. Es reconocido por sus retratos, naturaleza muerta y su arte litúrgico.

En su obra se observa un sentido: el equilibrio. Un orden neutral hace que sus elementos estén en eterna quietud. Tiempo detenido, soledades, luz a veces en el ocaso, a veces en una plenitud traspasando los límites de los objetos, en unas marcadas sombras, donde existe la posibilidad y la presencia de los hombres.

Una vez fue a un monasterio de benedictinos tal vez por eso sus obras quedaron impregnadas de orden, diafanidad, soledad, y hasta paz.

Pintar, para él, es pintar sin prisa, trabaja con pinceles delgados como un pelo anteponiendo también la poesía a la hora de pintar. Fray Luis de León decía: "Rompiendo el puro aire..."

La piedad:

Desnudo de frente:

Paisaje:

Dos membrillos:

La Piedad:

Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos:

2011-03-18T16:59:00.000-07:00

Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos (1638–1711), fue un pintor colombiano y artista más importante de la época colonial española en Colombia. Trabajó durante una era influenciada por el estilo barroco hispano-americano que prosperó a partir de 1650 a 1750.

Nació el 9 de mayo de 1638, en Bogotá, Colombia. Creció en esta ciudad, en la sociedad criolla que se estableció en 1630. Descendiente de una familia de ascendencia andaluza, dicha familia era inmigrante de Sevilla, España, estableciéndose en América del Sur en el siglo XVI.

Estudió en el Colegio Seminario de San Bartolomé, con padres Jesuitas, posteriormente en el Colegio Gaspar Núñez de los padres dominicos. Sus primeras lecciones de pintura las recibió en el taller de los Figueroa del cual fue expulsado por envidia de su maestro en 1658. El área donde Vázquez creció tenía una cultura vibrante y artística. Esto influenció al joven artista, dándole un ambiente propicio.

Su estilo fue fuertemente influenciado por pintores como Murillo, Zurbarán y varios flamencos, se distingue, entre otras cosas por apropiarse de la armazón narrativa del estilo barroco. Otra característica importante en la obra de Vásquez es que recurre a temas religiosos en naturaleza, temas que incluyeron la vida de Cristo, de la Virgen, de los santos, y representación de escenas del Antiguo Testamento.

En sus obras utilizó algunos sistemas criollos aprendidos de los indios, tales como el empleo de la goma elástica que tiene la ventaja de poder extenderse en capas delgadísimas sobre la superficie del cuadro, el uso del elemi y de los colores extraídos de arcillas, etc. Como miniaturista dejó obras muy interesantes.

En 1701 fue condenado a prisión por haber participado en el rapto de doña María Teresa de Orgaz, amante del oidor de la Real Audiencia, don Bernardino Ángel de Isunza y Eguiluz, a quien tenían recluida en el Convento de Santa Clara por orden del Arzobispo de Santa Fe. Al salir de la cárcel se redujo en una gran miseria.

En 1710 enloqueció completamente y no pudo volver a pintar. Falleció en 1711 en Santa Fe de Bogotá, a los 73 años de edad.

En 1863 Se colocó una placa conmemorativa en la casa en la que nació (calle 11 No. 3-99), que dice: "En esta casa vivió y murió Gregorio Vásquez Ceballos. Bogotá, su patria, se honra tributándole este homenaje. Abril 23 de 1863". ”San José y el Niño”, de Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, considerado por muchos colombianos como su mejor pintor de la época

1660 - 1700: Los evangelistas, la Capilla del Sagrario, en Bogotá

La última Cena, la Capilla del Sagrario, en Bogotá

Escenas bíblicas, la Capilla del Sagrario, en Bogotá

Los desposorios místicos de Santa Catalina, la Capilla del Sagrario, en Bogotá

1669: La visión de San Antonio, La Virgen con el Niño y Santa Ana, Vírgen Modestísima

1670: Nuestra Señora de los Angeles, El Purgatorio, Iglesia de Funza

1671: Investidura de San Ildefonso

1672: Descanso en la huida a Egipto.

1673: El Juicio Final, Iglesia de San Francisco

Nuestra Señora de los Angeles, Iglesia parroquial de Bosa

1675: Retrato del Padre Centurión, actualmente en el Museo de Arte Colonial de Bogotá.

1680: La Vida y Milagros del Patriarca Santo Domingo de Guzmán

1683: la Mujer del Apocalipsis

1685: auto-retrato, la Concepción

1686: San Ignacio sosteniendo en una mano un estandarte rojo y en la otra, la Regla de la Compañía.

1688: La Muerte de San Francisco Javier, Museo Colonial de Bogotá

1690: La aparición de la Virgen del Pilar a Santiago Apóstol, Vocación de San Francisco de Borja

1692: Los cuadros de La Sagrada Familia, copia de Murillo.

1693: Nuestra Señora de los Angeles (copia de Guido Reni), San Francisco recibiendo los estigmas.

1696: arqueta con cinco pinturas: Una piedad; San José con el Niño; Santa Filomena; San Francisco de Paula y San Cristóbal.

1697: La Inmaculada Concepción, Museo Colonial de Bogotá

Jesucristo Crucificado, cuadro que fue llevado a París por el Barón Goury de Rosland y luego legado por su hijo para el Museo Colonial de Bogotá

La Magdalena Penitente

El cuadro de la Flagelación

La Coronación de la Virgen por la Trinidad, Museo Colonial de Bogotá.

1698: El Calvario, Iglesia de San Ignacio, La Predicación de San Francisco Javier, Iglesia de San Ignacio, Donación de Imágenes al Superior de los Agustinos, Retrato de don Enrique de Caldas Barbosa, Colegio de Nuestra Señora del Rosario

1699: La Vírgen con San Joaquín y Santa Ana

1701: 42 cuadros que para la Capilla del Sagrario de Bogotá. San Liborio, Museo Colonial de Bogotá, Virgen de la Concepción.

San José con el Niño:

Adoración de los pastores:

Desposorio de Santa Catalina:

Autoretrato:

Edgar Negret:

2011-02-24T21:19:00.000-08:00

Nace en Popayán, Cauca Colombia, el octubre 11 de 1920.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali entre 1938 y 1943, conoció en su ciudad natal al escultor vasco Jorge Oteiza, quien lo puso al tanto de la escultura moderna.
Así, después de sus figuras erguidas o reclinadas, realizadas en la escuela dentro de una concepción convencional, Negret trabajó entre 1944 y 1948 una serie de yesos de innegable calidad, que anticipan su enorme inventiva. Son cabezas (de los poetas Guillermo Valencia, Porfirio Barba-Jacob, Gabriela Mistral y Walt Whitman), algunos temas religiosos (Virgen, Cabeza del Bautista, Ascensión, Mano de Dios y Anunciación), algunos temas mitológicos (Tritón y Venus') y La muchacha en la ventana. Aunque en las cabezas se reconocen los personajes, estas esculturas son esencialmente abstractas por ser ante todo formas esenciales, alejadas de los pormenores.
A fines de 1948 Negret viajó a New York. Allí, aparte de algunas cerámicas biomorficas, realizó sus primeras construcciones. Entre ellas las que se destacan El nido y Rostro de Cristo, realizadas en 1950.
En 1949 Negret había realizado otra escultura en metal: Vaso con una flor, un dibujo hecho en varilla de hierro que no sólo representa el tema también delimita el espacio real. Luego de una breve temporada en Colombia, Negret viajó a Europa; vivió en París, Barcelona, Madrid, Mallorca y Saint Germain-en-Laye, entre 1950 y 1955. Inicialmente siguió trabajando yesos. En estas esculturas la abstracción predomina sobre lo figurativo, como lo corroboran los propios títulos de las obras: Dirección sur, Homenaje a Gaudí, Columna conmemorativa de una masacre, etc. Luego de ver en París la retrospectiva póstuma de Julio González en 1953, Negret pasó a utilizar el hierro.
Estas construcciones realizadas en Palma de Mallorca, entre 1953 y 1954, ya sugieren aparatos o máquinas.
A fines de 1955 y hasta 1963 Negret residió en Nueva York. Durante estos años realizó la serie denominada Aparatos mágicos, donde por primera vez, empleó el aluminio (que desde entonces será su material exclusivo) y luego de intentar unir las diferentes piezas con dobleces se decidió por la utilización de tuercas y tornillos. La serie se caracteriza por el empleo de elementos geométricos y por el rigor compositivo; también por el color: construcciones pintadas de negro, blanco, rojo y azul. En 1962 expuso sus Eclipses en Espoleto junto a los escultores venezolanos Jesús Rafael Soto y Alejandro Otero.
Luego de quince años de ausencia, Negret regresó a Colombia en 1963, y desde entonces ha vivido en Bogotá (donde ya había expuesto en 1958 y 1962) corto intervalo en Cali. En 1963 participó en el XV Salón Nacional de Artistas de Colombia y ganó el primer premio en Escultura, con Vigilante celeste. En 1967 volvió a obtener el primer premio en el XIX Salón Nacional, con Cabo Kennedy.
A partir de los primeros años sesenta, las esculturas de Negret encuentran un nuevo elemento: El espacio interior que surge de la lámina de aluminio doblada y enfrentada a otra similar. El vacío, que ya había trabajado en Cabeza del Bautista, se convierte en elemento importante en sus primeros Navegantes, y durante mucho tiempo estará presente en su producción. Participó en la Documenta de Kassell en 1968.
El espacio interior da volumen a la construcción enriqueciendo la composición que se convierte en un contraste permanente de formas metálicas y de formas espaciales, limitadas por el aluminio doblado. En estos mismos Navegantes se afianza la presencia de elementos repetidos, verdaderos módulos que ya habían hecho su aparición en las primeras construcciones de Mallorca.
Dos tipos de esculturas predominaron en la producción de Negret desde los primeros años sesenta: los Navegantes, siempre flotantes, con pocos puntos de apoyo, y los Puentes, siempre extendidos entre dos puntos, firmes y bien sostenidos. Luego aparecieron las series Cabo Kennedy, Géminis, Acoplamientos y, simultáneamente, las Torres, Edificios, Templos, Columnas y Escaleras, entre otras construcciones.
Negret nunca ha puesto sus títulos arbitrariamente, a acertado en esas denominaciones con algo en común: todas se refieren al mundo de las construcciones, mundo extraordinario que a lo largo del siglo y gracias a la tecnología, ha realizado los aparatos más prodigiosos de navegación aérea en la atmósfera y el espacio abierto, puentes, estructuras, los edificios más grandes y asombrosos de la historia de la humanidad.
Pero sus construcciones y esculturas no sólo aluden a esas obras de la ingeniería y la arquitectura contemporáneas, son obras de arte, creaciones escultóricas con leyes propias que hablan de un mundo material en formas inventadas. La serie de Los Andes inicia una nueva etapa en la producción de Edgar Negret. Estas esculturas evocan el poderío de nuestras montañas, su concatenación, su apariencia similar, sus picos y sus depresiones profundas.
El color utilizado por Edgar Negret en sus esculturas (rojos y amarillos frecuentemente) es producto de una investigación muchas veces precolombina y parece flotar sobre la obra. El color levita sobre el metal.
El estudio que hace sobre la cultura Inca es manifiesto y así sus formas geométricas encuentran abolengo en el tiempo, en su memoria. Su trabajo sobre el arte precolombino mexicano es también acucioso. Su serie Máscaras alude a los tótem de la antigüedad dándonos una visión religiosa realizada con materiales futuristas pero extraída de lo más primigenio del hombre.
Sus Soles y Lunas y sus Árboles rojos, son caracterizados por una sublime abstracción que tiene apoyo revelador en una forma enrostrada en el ensueño del hombre. Las figuras van más allá de la forma, de la figuración, y profundiza en imágenes arquetípicas. En figuras concebidas por la imaginación primigenia.
En 1974 expuso en Corcoran Gallery, Washington D.C. En 1979 su obra participó en la FIAC, Paris. El año siguiente inauguró una muestra en la Fundación Joan Miró, Barcelona, España. En 1982 expuso en Contemporary Sculpture Center Tokio, Japón, y posteriormente en la Gobernación de Caracas, Venezuela.
Las Metamorfosis de 1981: Los planos que se articulan entre sí sin recurrir a los enfrentamientos con otros para crear espacios internos.
En 1991 presentó una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Monterrey y en el Rufino Tamayo, de México. En 1995 colgó su obra en el Festival Internacional de Biarritz, Francia. En 1999 expuso en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. En el año 2000 los escritores Gonzalo Márquez Cristo y Amparo Osorio realizaron una entrevista titulada: "El Nosferatu sagrado" para homenajear los 80 años del artista. En 2004 publicó su libro Negret, escultor.
En 2009 inauguró su exposición Poética del silencio, en la galería Mundo de Bogotá.
Edgar Negret, uno de los escultores más renovadores y fecundos de Colombia, fue galardonado en 1965 con la Medalla de Plata de la VIII Bienal de Arte, Sao Paulo, Brasil; en 1967 con el Gran Premio en escultura del XIX Salón de Artistas Nacionales; en 1968 le fue otorgado el Gran Premio de Escultura, David Bright, en la Bienal de arte de Venecia, Italia; y en 1975 obtuvo la beca Guggenheim.
En junio de 2009 realizó su más reciente retrospectiva en la Galería Mundo de Bogotá.
El 28 de septiembre de 2010, el Gobierno Nacional de Colombia, en el marco del nonagésimo aniversario de su nacimiento y de los 25 años de creación de su Casa Museo en Popayán (Cauca), le otorgó la Gran Orden Ministerio de Cultura.Escultura: El sol, Aeropuerto José María Cordoba, Medellín.

Escultura "El sol" en aeropuerto José María Córdoba, Medellín

La gran Cascada en el parque el Virrey:

Escultura El sol:

Obra de Negret en el edificio de la procuraduría:

David Manzur:

2011-02-12T20:15:00.000-08:00

Nació en Neira (Caldas), Colombia, 1929. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, en el Art Student´s League de Nueva York y en el Instituto Pratt de la misma ciudad. Ha ganado prestigio por sus monumentales murales de Bogotá, Cali y Miami. Vive y trabaja en Bogotá.

Ha trabajado diversas temáticas que van desde el arte del retrato tradicional y el bodegón, hasta estudios de la figura humana.

Las pinturas de Manzur, parecen a veces representar una escena de algún drama desconocido, cuya acción queda congelada ante nuestra mirada. No obstante, su arte no cae en la trampa facilista de lo literario o lo narrativo.

Su obra a participado en un gran número de exposiciones individuales y colectivas también ha sido merecedor de un sin fin de distinciones internacionales.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES:

1959 - Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá.

1961 - Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá.

1962 - Galería Obelisco, Washington, D. C, USA. Galería Royal Athena II, New York, USA.

1966 - Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá.

1967 - Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali.

1968 - Galería Belarca, Bogotá.

1972 - 3 Años en la Obra de David Manzur, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá.

1972 - Galería Escala, Bogotá.

1975 - Galería Royal Athena, New York, USA.

1976 - Galería Escala, Bogotá.

1978 - Galería Belarca, Bogotá.

1981 - Galería lriarte, Bogotá.

Galería Forma, Miami, USA.

1982 - FIAC, París, Francia.

Galería Quintana, Bogotá.

1986 - Galería Alfred Wild, Bogotá.

Salón Permanente, Museo Nacional, Bogotá

1987 - Galería Quintana, Bogotá.

Galería Belarca, Bogotá.

Galería Autopista, Medellín.

Iber Arte Galería , Bogotá.

Manzur, Calendario Propal 1987.

San Sebastián, MAM, Bogotá.

1988 - Galería Alfred Wild, Bogotá.

1989 - Litograbados, TallerAznar, Barcelona. Libro Colección de Grabados El Beso de Dios,

Galería El Museo, Bogotá.

1992 - Museo de Arte Moderno, Bogotá. Galería Duque Arango, Medellín. ECO-ART, Group

Show, Banco Bosano Simonsen, Sao Pauio, Brasil.

1994 - Galería Alfred Wild, Bogotá

Fundación FES, Cali.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

1957 - Biblioteca Nacional, Bogotá.

1958 - Biblioteca Nacional, Bogotá.

XI Salón Anual Nacional, Museo Nacional Bogotá.

1959 - XII Salón Nacional, Bogotá.

1960 - XI Bienal Interamericano de México, México.

Salón de Arte Contemporáneo, Museo de Antioquia, Medellín.

1961 - XIII Salón Nacional, Bogotá.

1962 - Galería Arte Moderno, Bogotá.

1963 - Exposición Arte de América y de España, Galería de Arte Moderno, Bogotá.

1964 - VII Bienal de Sao Paulo, Brasil.

I Bienal de Arte de Córdoba, Argentina. Salón de Arte Americano, Galería Bonino,

New York, USA.

Primer Grupo de Americanos Contemporáneos, Sala Pepsi-Cola, NewYork, USA.

Galería Green Rose, New York, USA.

1965 - Bienal de Lima, Perú.

Art Institute of Chicago, USA.

1966 - Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá.

1971 - 10 Años de Arte Colombiano, Museo La Tertulia, Cali.

1974 - Exposición Constructiva de Pintores

1974 - Latinoamericanos, Washington, USA.

Obregón, Grau y Manzur, Centro Colombo-Americano, Bogotá.

1977 - La Plástica Colombiana del Siglo XX. Casa de las Américas, La Habana, Cuba.

1978 - Pintores Latinoamericanos, Galería Noble Polans, New York, USA. Exposición Artistas

Colombianos, Galería de Armas, Miami, USA.

Galería El Callejón, Bogotá.

1984 - Colombia Medio Siglo de Pintura y Escultura México.

1985 - /86 100 Años de Arte Colombiano, MAM, Bogotá.

Centro Cultural Sao Paulo, Palacio Imperial, Río de Janeiro, Brasil.

Centro Italo-Latinoamericano Roma, Italia.

Pintado en Colombia, Visión de Colombia, Fundación Santillana del Mar, Madrid, España.

Colección Permanente, Museo Bolívar, Santa Marta.

1990 - Oro Colombiano, Museo de Arte Fuji, Tokio, Japón.

1991 - BID, Museo Nagoya, Japón.

1991 - /93 ART Miami, Feria de Arte, Galería Alfred Wild, Miami, USA.

1992 - /93 ARTFI, Feria Internacional de Arte de Bogotá, Galería Afred Wild, Bogotá.

1993 - ECO-ART, Río de Janeiro, Brasil. EXPOSEVILLA, Sevilla, España.

FIA, Feria Iberoamericana de Arte, Galería Alfred Wild, Caracas, Venezuela.

DISTINCIONES

1961 - Premio Guggenheim, Unión Panamericana, Washington, USA.

1962 - XI Premio Fundación Guggenheim, Washington, USA.

1964 - Beca de Estudio en el Pratt Graphic Art Center, Otorgada por la OEA, New York, USA.

Premio, I Salón INTERCOL de Artistas Jóvenes, MAM, Bogotá.

1970 - Premio, Gobernación de Antioquia, II Bienal de COLTEJER, Medellín.

Serie San Sebastián:

Homenaje a Neira:

Sin título:

Beatríz Gómez Moreno:

2011-01-16T15:27:00.000-08:00

EXPERIENCIA PROFESIONAL

Una de las pintoras colombianas contemporáneas que merecen reconocimiento por su talento. Entre su obra figura la pintura al óleo, paisaje, bodegón y retrato. Ha sido docente de taller de pintura desde 1994 e investigadora de la obra de Ricardo Gómez Campuzano y Enrique Gómez Campuzano, además autora y editora del libro EL PINTOR DE LA LUZ Ricardo Gómez Campuzano 1891-1981 que fue publicado el 1º de noviembre de 2003. Ha participado en más de 17 exposiciones individuales, 59 colectivas y 15 subastas.

ESTUDIOS:

Artes Plásticas. Universidad de Los Andes. Bogotá.

Fotografía artística con Álvaro Moreno Hofman. Bogotá.

Dibujo, Pintura, Grabado, fotografía artística, Ilustración Botánica. Atena Estudio de Arte. Bogotá.

Taller de pintura con el Maestro Fernando Dávila. Bogotá

Taller de pintura en la Casa Museo Ricardo Gómez Campuzano. Bogotá

Pintura y dibujo. Maestro Ricardo Gómez Campuzano

Piano y composición. Conservatorio Nacional de Música. Universidad Nacional. Bogotá.

Laboratorio Clínico- St. Michael’s Hospital. Toronto, Ontario. Canadá

O TROS ESTUDIOS

Taller Teórico de Creación Artística, Seminario de investigación para la Curaduría de Exposiciones, Seminario de redacción de textos, Seminario Internacional de Planeación y Organización de Museos e Instituciones Patrimoniales. ACOM e ICOM, Encuentro Nacional de Fotografía, Seminario de perspectiva, estudios de informática.

DOCENCIA Y DIVULGACIÓN CULTURAL

2007-2006 Taller de pintura en la Galería Carrión Vivar, Bogotá.

2005-1994 Taller de pintura Beatriz Gómez de Moreno. Bogotá.

2007-2003 Presentación, conferencias sobre Ricardo Gómez Campuzano EL PINTOR DE LA LUZ en: Metropolitan Club, Universidad Militar , Uniandinos, Biblioteca El Tintal, Biblioteca El Tunal, Biblioteca Virgilio Barco, Galería de Arte SAVITRI, Marquetería 90 grados RENOVARTE-Bogotá, Casa de la Cultura de Chía, Casa de la Cultura de Gachancipá, Academia de Artes Guerrero, Museo Nacional de Colombia, Casa de la Cultura de Cajicá, Colegio Helvetia, Colegio Gimnasio Moderno, Colegio Nuevo Gimnasio, Club de Abogados, entre otros.

2006 Organizadora y curadora de la exposición de pintura 9 ARTISTAS ANTIOQUEÑOS - MUESTRA ITINERANTE, Atena Estudio de Arte, Bogotá. Casa de la Cultura de Cajicá,

2001 Ponente del Seminario PAISAJE BODEGÓN en Bogotá- Taller de pintura de la Maestra Julia de Reyes.

OTROS

2008-2004 Socia Asociación Amigos del Museo Nacional de Colombia

2006-2001 Vocal en el Capítulo de Artes de UNIANDINOS

2008-1998 Miembro activo de UNIANDINOS.

2008-1992 Miembro activo de LIGA LATINOAMERICANA DE ARTISTAS.

Ha participado en múltiples exposiciones colectivas e individuales como:

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2006 Uniandinos- Bogotá. Marzo 2

2005 Hotel Bogotá Royal, Bogotá. Octubre 20

2004 Casa Estudio Beatriz Gómez de Moreno Bogotá. Octubre 14

2004 Hotel La Fontana, Bogotá. Marzo 1

2003 Corporación Club Campestre La Hacienda Cajicá. Noviembre 16

2003 Hotel Bogotá Royal. Octubre 2 de 2003

2003 Bogotá. Septiembre.

2002 Alcaldía de Medellín. Junio 6.

1997 Alcaldía de Medellín.

1996 Corporación Club Campestre. Medellín.

1995 Club Rosarista. Sede norte. Bogotá.

1994 Galería El Callejón. Bogotá.

1993 Galería El Callejón. Bogotá.

1990 Museo Ricardo Gómez Campuzano. Bogotá.

Entre otras.

Río Magdalena:

Alto del trigo:

Boga:

Pacho Cundinamarca:

Villa de Leiva:

Julio Londoño: Escultor

2010-10-18T14:28:00.000-07:00

Este gran artista contemporáneo, a la vanguardia de la escultura colombiana y del mundo, con su propuesta: la libertad enfocada en diversos temas, con elasticidad mezclada con mito y realidad, con carácter para doblegar el mármol y un gran luchador, empezó de cero pues no contaba con el apoyo económico de sus padres, vivió en el barrio Aranjuez y desde niño tenía inclinaciones por la talla en madera, consiguiendo incluso alguna vez un “carrito de papitas y un puesto de comidas rápidas” para sobrevivir, pero su espíritu aventurero y guerrero, hacen que posteriormente por su propio mérito esculpiendo a punta de cincel los caminos de su vida pedregosa , lograra conseguir con gran esfuerzo y constancia una participación con su arte y esculturas aún en el extranjero, pese a que no ha recibido el apoyo del estado ni de los medios de comunicación de la manera en que él se lo merece por su talento y esfuerzo. Él con optimismo y gran altura, a representado al país en el exterior, su técnica directa, la talla sobre la piedra, o indirecta con modelos de yesos; y su escultura en mármol carrara, hablan de la fuerza y energía que este artista tiene en su vida y la transmite a los demás a través de su obra. El material preferido para esculpir sus sueños es el mármol , sus temas de "Mujer", "Gloria al Creador", "Mediterráneo", "Altamira", "Alfonsina y el Mar", "Caín", "El Artista y la Musa " entre otras. Lo hace en Mármol de Carrara, en Mármol Risaralda o en Mármol Verde. En sus obras, como lo dice el mismo, "busco traspasar la piel, busco que mis esculturas expresen espiritualidad; por ejemplo en "Gloria al Creador" me vi como ese creador de un ser humano, de un ángel. Modelo una mano, es mi mano expresiva de la creación, le coloco a la obra alas de libertad".

Mi admiración para este gran artista.

Estudios

-Especialización de talla directa en Mármol de Carrara, en Italia con Carlos Nicoli's Art Laboratory

-Estudios de pintura y anatomía en la liga de artes plásticas de New York

-Membership national sculpture society New York

-Estudios de diseño en Milán Italia

-Bellas Artes de Medellín

Exposiciones

1987 – 2005: Montevideo, Uruguay, Rosario, Argentina, Italia, Corea: la inauguración de los juegos olímpicos, y actualmente se encuentra una obra itinerante alrededor del mundo. -New York . Ha realizado diferentes exposiciones dentro y fuera de Colombia. Invitado a argentina al encuentro mundial de escultores noviembre de 2007. Sus obras se encuentran expuestas en diferentes galerías de Miami y New York

Competencias

1995-1997: En Montevideo, Uruguay 5º Puesto, Primer Festival de Escultores ECO parque Cerro El Volador (Creador y Organizador)Tercer Encuentro Internacional de Escultores, Argentina. Cuarto Encuentro Internacional de Escultores. Rosario, Argentina

Barichara Santander. Dos simposios internacionales de escultura.

Participante tres veces en el simposio de escultura, en Corea del sur.

Premios

1999: 5 puesto en el de los Niños en el Concurso de Uruguay.

Encargado para diseñar el Premio "Girasol" del "Latin American Festival" en New York

2002: 3er puesto en el décimo encuentro mundial de escultura en Rosario Argentina.

2004: Premio puesto escultura guatape proyecto compromiso de todos

2001: Medalla de oro maestro Pedro Nel Gómez

2006: Distinción Juan del corral categoría oro, entregada por el concejo de Medellín

Exponente Primer Premio XV Encuentro Internacional de Escultuta Rosario Argentina 2007

Luis caballero Holguín:

2010-02-26T18:24:00.000-08:00

Bogotá: 1943- 1995. Su pintura alcanza un carácter erótico que lo consagraría. La soledad, el dolor de sus personajes entrelazados fueron recurrentes en sus lienzos y dejan la huella de la destrucción amorosa, de la incomunicación, de la desgarradura irreductible, de su inclinación sexual, que nunca lo abandonaría.

ESTUDIOS:

1946 – 1947: Realizó estudios de primaria en el Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid, España. Se trasladó a la península ibérica debido al nombramiento de su padre como encargado de negocios ante el gobierno español.

1948 – 1951: Regresa con su familia a Colombia, Luis siguió sus estudios de primaria en el colegio Gimnasio Moderno.

1952 – 1956: él y su familia se instalaron en España. Luis Caballero reingresó al Instituto Ramiro de Maetzu. Conoció la colección del Museo del Prado en Madrid.

1957 - Regresó a Bogotá con su familia v frecuentó a su tía abuela Margarita Holguín y Caro 1875 – 1959, pintora, alumna de Andrés de Santa María 1860-1945, y juntos restauraron los frescos de la Capilla de Santa María de los Ángeles, que doña Margarita misma había hecho edificar.

1960 : Obtuvo el título de bachiller en el Gimnasio Moderno de Bogotá.

1961 - Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Fueron sus maestros Ivan Antonio Roda I921, Luciano Caramillo 1938-I985 Y Marta Traba 1930-1983.

1962: Su padre fue nombrado embajador ante la Unesco, viajó con toda la familia a Europa. Permaneció un tiempo en España y luego pasó a París.

1963: Entró a la academia de pintura de la Grande Chaumiere.

1964: En este período, su obra estuvo influenciada por diferentes pintores contemporáneos, entre ellos el pop inglés Allen Jones 1937, el pintor francés de arte crudo Jean Dubuffet 1901-1985, el expresionista Holandés Norteamericano Willem de Kooning 1904-1997 y el inglés Francis Bacon 1909-I992.

1966: Su primera exposición individual, compuesta por 20 obras, tuvo lugar en la Galerie du Tournesol, ubicada en la 36 Rue de Verneuil, en París.

1966: Toda la familia Caballero regresó a Colombia y Luis empezó a formar parte activa de los eventos que se organizaban en el país.

1966: Participó en el XVIII Salón de Artistas Colombianos.Evento en el cual concursaron 54 artistas en la sede la Biblioteca Luis Ángel Arango, fueron premiados Alejandro Obregón 1920-1992, en pintura, y Eduardo Ramírez Villamizar 1922, en escultura.

1966: Inauguró la exposición Luis Caballero en el Museo de Arte Moderno, ubicado en los predios de la Universidad Nacional. Su directora, la crítica colombo-argentina Marta Traba, escogió 46 obras entre óleos pasteles sobre papel.

1966: Contrajo matrimonio en Old Lyme, Connecticut(Estados Unidos), con la artista norteamericana Terry Guitar, a quien conoció cuando ambos estudiaron en la Grande Chaumire.

1967: Permaneció un mes en Nueva York.

1967: Trabajó como profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes y de dibujo en la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

1967: Exposición colectiva de Caballero, Cárdenas, del Villar, que se llevó a cabo en la Biblioteca Luis Ángel Arango.

1967: Intervino en el II Salón Bolivariano, evento parte de las actividades planeadas en el VII Festival Nacional de Arte, dedicado al poeta y escritor Jorge Isaacs, en el el centenario de la publicación de su obra María.

1967: Exhibió dibujos en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá.

1967: Inauguró en el Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali, una muestra de 20 dibujos de la serie El hombre y la mujer.

1967: Los profesores de arte de la Universidad de los Andes expusieron una selección de dibujos en la Alianza Colombo-Francesa, se expusieron obras de Caballero, Juan Antonio Roda, Santiago Cárdenas 1937, Ricardo Morales Hendric Augusto Rivera. A lo largo del año expuso también en la Casa Mosquera de la Universidad de Popayán, la Semana Universitaria, de la Universidad Nacional, en Bogotá, y en una muestra colectiva en Pereira.

1968: Inició la pintura el Políptico con el que participaría en la I Bienal Iberoamericana de Arte Cóltejer.

Mostró por primera vez el Políptico en la Sala Gregorio Vázquez de la Biblioteca Nacional. En esta oportunidad el mismo Luis Caballero habló de su obra como la pequeña Capilla Sixtina, referencia a Miguel Ángel que se hizo debido al carácter mural de la pintura, en la cual se conjugan grandes áreas de color plano e intenso y una figura monumental que se entretiene en lanzarse sobre el plano pictórico, en gestos de atrevida composición. Trece paneles del Políptico , constituido por 18 piezas de gran tamaño, fueron enviados a Medellín.

Marta Traba inauguró su galería privada con una muestra colectiva, llamada Los que son, en la que además de Luis Caballero, intervinieron Pedro Alcántara Herrán, Feliza Bursztyn, Santiago Cárdenas, Beatriz González, Sonia Gutiérrez, Ana Mercedes Hoyos , Clemencia Lucena, David Manzur y Bernardo Salcedo.

Se inauguró la I Bienal Iberoamericana de Pintura de Coltejer. Esa misma noche el jurado, integrado por Jean Clarence Lambert, Alexander Cirici Pellicer y Dicken Castro, proclamó los nombres de los ganadores del evento. El primer premio fue para Luis Caballero con su obra “ la cámara del amor” conformada por múltiples paneles que involucraban al espectador, pieza hace parte de la colección permanente del Museo de Antioquia, el segundo para la Argentina Sarah Grilo y el tercero para el también argentino, nacido en Madrid, José Fernández Muro 1920. Marta Traba dijo que la obra enviada por Caballero era admirable, cuyas tensiones cromáticas y el ritmo de la figura alcanzaban un ajuste tal que el espectador siente que está atrapado en un mundo significante, cada cosa tiene un sentido y la violencia programada punto por punto, no para llevar al caos sino para llevar a la compresión de algo.

Uno de los jurados internacionales, Alexander Cirici Pellicer, dijo en una entrevista concedida a un diario Bogotano: El primer premio es una obra muy ambiciosa. Su tendencia a salir del cuadro sumarse en el ambiente es totalmente original.

Jean Clarence Lambert, secretario general de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, poeta, dramaturgo y crítico francés, quien fue otro de los jurados internacionales, escribió en un medio de comunicación de París: EI primer premio de la Bienal de Medellín fue atribuido a un joven pintor de Bogotá Luis Caballero por un vasto cubo compuesto por trece paneles pintados que forman una especie de teatro acuático en el que se mueve un ballet onírico de parejas desnudas. El espectador que penetra en el interior de la obra que lo rodea por todas partes, siente un embrujo sensual muy particular, pero perfectamente de acuerdo con la escena natural: la humedad sin estaciones de Medellín.

Expuso en la Galería UD, situada en el Parque de la Independencia, en Bogotá.

Viajó a Medellín para recibir el premio de cien mil pesos por la obra que envió a la I Bienal Iberoamericana de Pintura Coltejer.

Recibió el premio de adquisición en el Primer Salón Austral y Colombiano de Dibujo y Grabado, en el marco del VIII Festival de Arte de Cali.

Mostró una serie de dibujos, para conmemorar el segundo aniversario de La Casa de la Cultura de Bogotá.

Volvió a Francia, para quedarse.

Expuso 13 dibujos en el Museo de Antioquía, en Medellín. Participó en el Salón Codex. En la muestra Ate colombiano actual en la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá; y en la Galería Buchholz, en Munich, Alemania.

1969: Seleccionado para representar a Colombia en la Bienal de París.

1970-1971:

Galería Belarca, Bogotá

1973: Museo de arte Moderno, Bogotá, Bienal de sao Paulo.

1974: Museo La Tertulia , Cali. Galería Belarca, Bogotá. Bonnefanten Museum Maastrich, Holanda

1975: Galería Fred Lanzenberg, Bruselas, Bélgica

1976: Galería albert Loeb, París, Francia. Galería Harriet Griffin, New York

Galería La Oficina, Medellín.

1977: Galería Albert Loeb, París. Galería Jade, Colmar, Francia

1978: Galería Garcés Velásquez, Bogotá

1979: Galería Lietzow, Berlín, Alemania. Galería Fred Lanenberg, Bruselas, Bélgica

Galería Albert Loeb, París Francia. Galería Aele, Madrid, España.

1980: Galería La Oficina, Medellín.

1981: Galería Lietzow, Berlín, Alemania. Galería Flammanon, Montreal, Canadá

1982: Galería Fred Lazenberg, Bruselas, Bélgica. Sindin Gallery, New York, USA

Galería Wiegand Colonia, Alemania. FIAC 82, Galería Albert Loeb, París, Francia

1983: Galería Baumier, Regensburg, Alemania. Galería Joachim Becker, Cannes, Francia. Galería Minotauro, Caracas, Venezuela.

1984: Galería Lietzow, Berlín, Alemania. Galería Busche, Detmold, Galería Wiegand, Colonia, alemania. Kunstmarktkoln 1984, Galería Lietzow, Alemania

1985: Galería Fred Lanzenberg, Bruselas, Bélgica. Galería Neerman Geel, Bélgica.

ARCO Madrid, España. Galería Quintero, Barranquilla. Galería Pierre Huber, Ginebra, Suiza. Galería Albert Loeb, París, Francia. Galería Ravel, Austin , USA.

1986: Galería Joachim Becker, Feria de Arte de Niza, Francia. Galería Jade, Colmar, Francia. Galería Garcés Velásquez, Bogotá

Ha representado a Colombia en la Bienal de París en 1969; en la Bienal de Sao Paulo en 1973 y en la Bienal de Venecia en 1984.

PUBLICACIONES

1977

- La Noche Oscura. Album de 10 litografías sobre el poema de San Juan de la Cruz. Publicación del Museo de Arte Moderno de Bogotá

1979

- Le Chateau de Hors. Serie de 8 litografías ilustrando un texto de Bernard Noel. Ediciones Fata Morgana Montpellier, Francia.

1984: Bienal de Venesia

1985: - Poemas para un Cuerpo. 12 litografías sobre el libro de Luis Cernuda. Ediciones Fata Morgana, Montpellier, Francia.

La colección del banco de la República dedicó una sala obras suyas de gran formato. Murió en Bogotá en 1995 luego de tres días de inaugurar una amplia exposición de 137 obras sobre papel conformada por un centenar de obras, en su mayoría nunca expuestas antes.

Sin título:

Tríptico:

Sin título:

Alejandro Obregón:

2010-01-31T21:35:00.000-08:00

(Barcelona, 1920 - Cartagena 1992). Hijo de Colombiano y española. Desde su niñez vivió en Barranquilla.

A los diez años es enviado a estudiar al Stony Hurst College, en Inglaterra; un internado de sacerdotes jesuitas, de disciplina férrea. En 1934 abandona el colegio y, ante el clima de zozobra que se vive en Europa, sus padres deciden enviarlo a terminar sus estudios a Boston, Estados Unidos, donde comienza a pintar sus primeras obras. Abandona de nuevo el colegio y se traslada a Barranquilla en 1936. Su padre le propone trabajar en la fábrica Tejidos Obregón, de propiedad de la familia, tarea que acepta más no de su agrado.

Luego se fuga al Catatumbo, wu experiencia como conductor de camión e intérprete en petroleras de la selva del Catatumbo, dejarían huella en sus impresiones acerca de la naturaleza y su percepción como interprete de ella. De regreso a su casa y una vez tomada la decisión de ser pintor, conversa con su padre, quien finalmente renuncia a las aspiraciones de ver a su hijo convertido en un industrial, y lo acompaña a Boston a encontrar una escuela de arte. En la ciudad norteamericana, Obregón retoma sus estudios de secundaria y asiste durante un tiempo a algunos cursos en el Museo de Bellas Artes del lugar.

Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Boston y en la Llotja de Barcelona. Al regresar de España en 1944 participó en el V Salón Nacional de Arte con gran éxito. La crítica denominó a su mundo "expresionismo mágico".

Su obra contempla algunas fases decisivas. Al comienzo fue naturalista y en ocasiones expresionista. A partir de 1947 exploró el cubismo, donde una perspectiva singular reinó en sus composiciones. A comienzos de la década del sesenta Obregón alcanzó la fuerza de su estilo. Su consagración no se hizo esperar y ganó en dos ocasiones el primer premio de pintura del Salón nacional (1962, 1966), con su cuadro "Violencia" e "Icaro y las avispas", respectivamente. Maestro del óleo en sus comienzos, se dedicó en su última etapa al acrílico, lo cual para algunos estudiosos “lo que ganó en libertad formal lo perdió en poder expresivo”.

Pintor de la violencia, pero también del sueño, es una de las piedras angulares del arte realizado en Colombia. Fascinado por la pintura mural, realizó obras de gran reconocimiento en el Senado de la República y en la Biblioteca Luis Ángel Arango.

Nacido en 1920, en Barcelona, se trasladó con sus padres a los seis años a Barranquilla, Colombia. En 1929 se reinstala con su familia en Barcelona. En su juventud viajó por España, el Reino Unido y Estados Unidos, países donde se formó como pintor. Tras vivir en Francia durante cinco años, volvió a Colombia y se estableció en Cartagena, donde trabaja con Guillermo Wiedemann, Santiago Martínez Delgado, Enrique Grau y Ricardo Gómez Campuzano.

Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Boston y en la Llotja de Barcelona. Debido a él, el expresionismo figurativo adquirió un gran auge en Colombia a partir de los años cincuenta. 1958: le fue concedido el primer premio en la Bienal Hispanoamericana en Madrid, y en las décadas siguientes recibió multitud de premios, así como varias condecoraciones por su obra, entre ellas la Cruz de Rafael Núñez, en Colombia. Entre lo más conocido de su producción se destacan Máscaras (1952), Homenaje a Zurbarán (1962), Flora (1966), Anunciata en verde (1970), Sortilegio de luna (1985) y La violencia, esta obra ganó el Premio Nacional de Pintura en el XV Salón Nacional de Artistas de Colombia.

Alejandro Obregón, apodado por la crítica como el expositor del expresionismo romántico. Era de origen catalán, viviría sus primeros años en Barranquilla. Hijo de colombiano y catalana, creció en medio del Caribe Colombiano. Rechazaba el academicismo y al respecto decía: Yo no creo en las escuelas de pintura; creo en buena pintura y nada más. La pintura es expresión individual y hay tendencias como personalidades. Admirador de los buenos pintores, los españoles sobre todo, consideró que ninguno ejerció una influencia decisiva en su formación.

Su experiencia como conductor de camión e intérprete en petroleras de la selva del Catatumbo, dejarían huella en sus impresiones acerca de la naturaleza y su percepción como interprete de ella. Decidido por dedicarse a la pintura y a no ser industrial como su padre, comienzó sus estudios en Boston.

Su primer intento semi-vanguardista de distorsión espacial lo realizaría a los 19 años con la obra “Jarro azul”, desde ese entonces, y hasta el año 1947 explora diversos estilos, sin formar aún una obra de corte personal. Trabaja un tiempo en España como vice cónsul. Se nacionaliza en Colombia en 1941, pero su fama de pintor primero es reconocida en España, con óleos como "Retrato de un pintor"(1943), "Autorretrato (1943), "Retrato de Ilva" (1944) y "El camión rojo" (1942). En el mismo año en que pinta “El camión rojo”. Obregón nuevamente deja entrever que las academias no eran de su gusto y viceversa, pues es expulsado de la escuela Lotja de Barcelona, hecho que lo motiva a seguir su carrera artística como autodidacta.

El arte colombiano conoció a Alejandro Obregón, por su participación en el V Salón Nacional de Artistas de Colombia en 1944 con las pinturas al óleo como "Retrato de pintor", "Niña con jarro" y "Naturaleza muerta". Su incursión tuvo las mejores críticas de la prensa local, que calificaron su trabajo como un “expresionismo romántico”.

A partir de 1944 surge Obregón como un pintor particular del Arte moderno Colombiano porque no propone un alarde a los elementos propios de la modernidad optimista, como el progreso, el culto a la tecnología o el ímpetu por el manejo de materiales industriales. Al contrario, Obregón buscaba la naturaleza y la cultura colombiana como parte central de su obra plástica.

En sus obras fusionaba elementos abstractos y figurativos, como forma de rebelarse en contra los purismos modernistas. En ningún momento se percibe repudio a la figura en sí misma, sino a una figuración que se considera narrativa y literal; que se representa en vez de expresar o simbolizar.

Obregón tuvo luego fuerte influencia de Picasso, como sucede en su obra "Masacre del 10 de abril", luego de su viaje a París, queda en él una inquietud por las figuras geometrizantes como "Gato comido por pájaro".

En 1954 conoce a la pintora inglesa Freda Sargent con quien se casó en Panamá. Ese mismo año conoce en París al pintor español Picasso.

Muchos de los trabajos de Obregón se caracterizaron por contener una fuerte crítica política y social. Los nuevos pintores y escultores de esa época estaban más comprometidos con los temas culturales y ambientales que con los políticos. Los contemporáneos de Obregón se dedicaron a realizar una revolución de índole estética o formal, más que política.

Pero en el caso de Obregón, mientras trabajaba en una revolución estética, la combinaba con la realidad del momento. Este es el caso de los trabajos “El estudiante muerto” (1957) y “Luto por un estudiante” (1957), que aluden a los hechos ocurridos en el gobierno del general Gustavo Rojas Pinilla. Es famoso el gallo como símbolo de su dictadura militar.

Otras obras : “Homenaje al cura Camilo” (1968) y “Violencia” (1962), uno de los hitos en la historia del arte colombiano que ponen en evidencia uno de los periodos más sangrientos del siglo XX en Colombia.

Después de viajar a Europa, en 1958 llega a Estados Unidos donde comienza a tener contacto con el expresionismo abstracto, movimiento que sin duda va a transformar su obra. A su regreso a Colombia inaugura en junio de 1958 el mural “Homenaje al libro” en la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá, trabajo que causa impacto y contribuye a marcar el paso de un tipo de muralismo inspirado en Orozco, Ribera y Siqueiros, a una obra acorde a la revolución de Rufino Tamayo que tuvo lugar en México. Ese mismo año presenta una exposición individual en donde el común denominador es la presencia de los cóndores.

Su fascinación por la naturaleza colombiana persiste de aquí en adelante en toda su obra. Cóndores, toros, barracudas, mares, jardines, paisajes, peces, gaviotas, imágenes del viento, sol y nubes, son algunos de los elementos presentes en sus obras, que tomaron dimensiones simbólicas. Este es el caso del cóndor, uno de sus símbolos más recurrentes.

Obras destacadas: “Ganado ahogándose en el Magdalena” (1955), “Nube Gris” (1948), “Pez Dorado” (1947), “Toro-cóndor” (1960), “Cóndor de los Andes” (1959), entre otros. En 1967 reemplazó a Marta Traba en la dirección del Museo de Arte Moderno de Bogotá, posteriormente viajaría de nuevo a la Costa Caribe, a Cartagena. Durante este periodo realizó algunos murales, y obras que exhibió en Nueva York. Vivió en Cartagena hasta su muerte en 1992. Fue sepultado en el mausoleo de la familia Obregón en el cementerio Universal de Barranquilla.

Cóndor:

Estudiante muerto-el velorio:

El hombre pájaro:

Toro-cóndor:

Fernando Botero:

2010-01-28T21:42:00.000-08:00

Nació el 19 de abril de 1932, en Medellín. Pintor, escultor y dibujante colombiano más reconocido en el planeta .

En 1948 debutó como ilustrador en el periódico El Colombiano, y participó en su primera colectiva. Primer premio : IX Salón Nacional de Artistas colombianos ofrecido por la biblioteca nacional de Colombia.

1951 - Galería Leo Matiz, Bogotá,

1952 - Galería Leo Matiz, Bogotá.

Con el dinero recibido por el premio y con la venta de algunas de sus obras, Botero viajó a Europa. Llegó a Barcelona en 1952. Luego decidió trasladarse a Madrid, ciudad en la que visitó el Museo del Prado, donde vio más de cerca la obra de Francisco de Goya y Velasquez

Luego obtiene el 2º IX salón anual de artistas.

Ese mismo año comenzó sus estudios en la Academia de San Fernando de Madrid y en este aprendizaje copió obras de Velásquez, Goya y Rubens, definitivas para su formación. Posteriormente viajó por Europa y estudió en Florencia las técnicas de la pintura al fresco. Tras su regreso de Italia en 1955, realizó una exposición en Bogotá de las obras realizadas en Europa, pero obtuvo muchas críticas debido a que en ese momento el país estaba influido por la vanguardia francesa, lo que le acarreó casi un fracaso completo.

En 1956 contrajo matrimonio con Gloria Zea y partió para México donde conoció a Rufino Tamayo y a José Luis Cuevas. Allí encontró el verdadero camino de su arte y empezó a buscar la estética de lo monumental que hoy lo define en el mundo.

En 1957 viajó a Estados Unidos donde realizó su exitosa exposición en el Pan-American Union de Washington. En 1958 fue nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá y ganó el segundo premio del Salón Nacional con la obra Alcoba nupcial.

1959: V Bienal de Sao Paulo, Brasil.

1960 : Premio Guggenheim.

En 1961 regresó a Nueva York y vendió su obra Mona Lisa a los doce años al mítico Museo de Arte Moderno de esa ciudad.

1964 : Salón INTERCOL de Jóvenes Artistas, Museo de Arte Moderno, Bogotá. Primer Premio con la Obra Apples.

1966 : Kunsthalle de Baden-Baden, Alemania.

Galeria Buchholz, Münich, Alemania. Ese mismo año : Galeria Brusberg, Hanovre, Alemania.

1969: Galería Claude Bernard, París, Francia.

Luego inauguró una serie de exposiciones por toda Europa que lo llevaron a ser uno de los pintores más cotizados del mundo.

1970 - Exposición ltinerante, 80 Obras por Cinco Museos Alemanes.

1972 : Mariborough Galiery, New York, USA.

1973: Exposición Retrospectiva de obras de 1948 a 1972 en Bogotá.

1976: Galería Claude Bernard, París, Francia.

1977: Dona 16 Cuadros al Museo de Antioquia.

FIAC, Galería Claude Bernard, París, Francia.

En 1974 su hijo Pedrito murió en un accidente de tránsito, nacido de su segundo matrimonio con Cecilia Zambrano, la muerte de su pequeño hijo fue gran golpe para el artista, Pedrito sale en numerosas obras. En 1973 se instaló en París.

1979 : Exposiciones itinerantes por Museos de Bélgica, Noruega, Suecia y Norte América.

1980: Galería Beyeler,'Basilea, Suiza.

1981: Retrospectiva, Museos Japoneses de Tokio y Osaka.

1983: El Metropolitan Museum de New York acoge uno de sus cuadros entre sus Colecciones Permanentes.

En 1983 abrió casa en Pietra Santa (Italia) donde aún tiene su taller de escultura. Su obra comenzó a ser requerida por los museos más importantes de Europa y América y se convirtió en un referente universal.

En los Campos Elíseos de París presentó una muestra de su escultura monumental, así como en la Gran Avenida de Nueva York, en el Paseo de los Recoletos de Madrid y en otras avenidas emblemáticas de las ciudades más importantes del mundo.

1984: Dona otras obras al Museo de Antioquia.

1985: Mariborough Galiery, New York, USA. Museo de Ponce, Puerto Rico.

1986: Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.

Retrospectivas, Münich y Bremen, Alemania.

1987: Retrospectivas, Frankfurt, Tokio y otras tres Ciudades Japonesas.

Retrospectiva, en el Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España.

La Corrida, Exposición de 86 Obras, Sala Visconte de Castello Sforzesco, Milán, Italia.

1988: La Corrida, Castell Dell Ovo, Nápoles, y en el Albergo Delle Povere, Palermo, Italia.

1989: Museo de Arte de Coro, Venezuela, MAC, Caracas, Venezuela.

Museo Tamayo, Ciudad de México, México.

1991: Gran Exposición, Forte di Velvedere, Florencia, Italia.

Retrospectiva, Palacio de las Exposiciones, Roma, Italia.

1992: La Corrida, Sevilla, España.

Esculturas Monumentales, Plaza del Casino, Mónaco.

Exposición Universal 500 Años del Descubrimiento, Museo Los Venerables, Sevilla,

España.

Gran Retrospectiva, Museo de Viena, Austria.

Esculturas Monumentales, Campos Elíseos, París, Francia.

La Corrida, Grand Palais, París, Francia. Dibujos, Galería Didier lmbert, París, Francia.

1993: Retrospectiva, Casa Luis López de Mesa, Bogotá.

Mariborough Gallery, Nueva York. Park Avenue, Nueva York.

1994: Heisinki City Art Museum, Finlandia. Botero en Chicago, Illinois, USA. Botero en

Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.

Botero en Madrid, Escultura Monumental, Paseo de Recoletos, Madrid.

En el año 2000 hizo una gran donación de obras suyas y 21de artistas reconocidos al Museo de Antioquia

En 2004 expone su serie "Una mirada diferente" alusiva a la violencia que sufría Colombia en ese momento, donde los carro-bombas, las masacres y los guerrilleros son protagónicos. La serie de "Abu Ghraib" con ocho decenas de cuadros representa los horrores de la invasión de los Estados Unidos a Irak y fue inaugurada en Roma con gran resonancia internacional. En 1998 donó 123 obras de su autoría y 87 de grandes artistas del mundo al Museo Botero en Bogotá. En la actualidad vive entre París, Nueva York y Pietra Santa.

Esculturas al aire libre en el Parque Botero en Medellín:

Pájaro escultura en Bronce:

Mona Lisa(versión de Botero) óleo sobre lienzo:

Rosita. oleo sobre lienzo

Eduardo Ramírez Villamizar

2010-01-22T18:13:00.000-08:00

Pamplona, 1923 - Bogotá, 2004. Escultor y pintor norte-santandereano.

Estudió arquitectura en la Universidad Nacional de Bogotá entre 1940 – 1943, además estudia arte y decoración en la misma universidad.

En 1945 participa vez en una exposición colectiva en la Facultad de Arquitectura, con algunas acuarelas de corte figurativo, de donde partirá hacia planteamientos expresionistas. En el año 46, al iniciar su obra, revela una extraña compenetración con el caos; sus primeras pinturas expresionistas, negras, enlodadas por un empastelamiento anárquico. Al final de éste año abandona la acuarela y se inicia en el óleo.

En 1947 Es invitado por la Universidad de Cauca a trabajar siete meses junto al escultor Edgar Negret. Concursa en el VII Salón de Artistas Colombianos y obtiene el segundo premio con la obra Retrato de Lilián Peñuela, de indudable ascendencia expresionista.

Comienza una necesidad de cambio de salirse de los moldes convencionales del retrato, el paisaje, la pintura naturalista, comienza a experimentar dentro de las posibilidades de la abstracción a través del cubismo, corriente que aunque partía de la representación de la naturaleza, reducía las formas a su geometría esencial y a la representación simultánea de los diversos aspectos de un objeto.

1949: Participa junto con Grau y Negret en la exposición "Esculturas y pinturas de Colombia", New York School of Social research, Nueva York. Ese mismo año gana un concurso para obtener una beca de estudios en Buenos Aires, Argentina, pero el ofrecimiento nunca se cumple.

Entre 1950 y 1952 viajó a París donde asumió la estética que lo caracterizaría, donde la búsqueda de formas geométricas y la abstracción serían protagónicas, dicha abstracción basada en la anarquía intelectual, es afectada de modo histórico, por la agitada vida política de su país. Es en París que Ramírez Villamizar abandona definitivamente el expresionismo para iniciar su tránsito hacia la geometría y la abstracción, y asimila a su código formal la obra de Tatlin, Malevitch, Pevsner, Mondrian, Klee, Picasso, Braque y Kandinsky.

Expone, junto con Edgar Negret, en la Galerie Arnaud, París.

Participa en la Bienal Hispanoamericana, Madrid, España.

1952 – 1954: Vuelve a Colombia, obligado por su difícil situación económica.

1954 – 1956: Regresa a París y la pintura que realiza durante su estancia en esta ciudad sugiere todavía nexos formales con el constructivismo y, en general, con la abstracción geométrica característica de la primera mitad del siglo XX.

1958: Con la pintura Horizontal blanco y negro gana el Guggenheim International Award. Este año también realiza su primer mural en relieve titulado El dorado, para el Banco de Bogotá.

En la década del 60 realiza una intensa experimentación de las posibilidades espaciales de la escultura y de un nuevo material, el acrílico. En dicha década residió en Nueva York a partir del 67 dedicándose principalmente a la escultura. Allá concibió sus Círculos interceptados y las Cámaras en progresión de gran importancia en su evolución creativa. En Estados Unidos realizó esculturas en hierro para sitios públicos entre las que se encuentran la Columnata del Fort Tryon Park y su conocido Hexágono, ambas ubicadas en Nueva York. Posteriormente en Bogotá, trabajó en las 16 torres situadas en la Avenida Circunvalar de Bogotá que gozan de gran prestigio y el Espejo de la luna de la calle 100 de Bogotá.

1969: Representa a Colombia en la Bienal de Sáo Paulo, Brasil, y gana el segundo premio internacional.

1971 : Invitado por la Universidad de Vermont, participa en el Simposio Internacional de Escultura. Ahí construye su primera obra monumental en concreto, Cuatro torres, donde continúa trabajando a base de ángulos rectos.

En este año, de gran actividad en la carrera del maestro, comienza una serie de esculturas utilizando la línea curva y el color.

Su Caracol-pájaro, sus Peines de viento y su Insecto-nave espacial, muestran la madurez de su escultura. En la década del ochenta viajó al Perú y a su regreso creó una de sus series más significativas: Recuerdos de Machu Picchu, donde hace referencias al arte precolombino y los homenajes al arte incaico de una gran sutileza.

Peine del viento:

Flor blanco y negro:

Sin título:

Francisco Antonio Cano

2010-01-12T22:44:00.000-08:00

1865 - Nació en Yarumal, Antioquia. Murió en 1935 en Bogotá. Desde muy joven se dedicó a la pintura y a la escultura.

A los 18 años de edad, talló un busto del Libertador que le mereció una medalla de oro ofrecida por el "Club de los Amigos del Arte". Al principio se ganó la vida con la platería y otros oficios como pintor de brocha gorda y labrador.

En 1885 : Se dedicó de lleno a la pintura y a la escultura. Sus primeras obras fueron escenas bíblicas.

En 1892 participó en una exposición colectiva en Medellín, luego en 1897 se fue a vivir a Bogotá. En 1898 ganó una distinción especial en la Exposición del 20 de Julio, organizada por la Escuela de Bellas artes de Bogotá, por sus pinturas de flores.

1898 – 1901: Vivió en Europa, pensionado por el Gobierno Nacional. Estudió en la Academia Julian de París, en donde recibió una orientación neo-clásica.

También estudió en la Academia Colarrosi, y en la Escuela Especial de Bellas Artes. En estos centros tuvo de profesores a maestros de la talla de Jean Paul Laurens, Rafael Colin, Prinet, B. Constant entre otros. Visitó Bélgica, Holanda, Italia, España e Inglaterra. En 1901:Regresó a Colombia y residió en Medellín.

En 1903 : Publicó la revista "Lectur2 y Arte" con Enrique Vidal, Tobón Mejía y Antonio J. Cano. (Solo se publicaron 12 números).

En 1910 fue nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, dictó la cátedra de Anatomía, Dibujo Lineal, Dibujo del Natural, Pintura, Escultura y Perspectiva. Dirigió la Litografía Nacional.

En 1913 : Modeló para la Academia de Historia un Medallón en bronce de José Manuel Restrepo. Y nombrado Vicerrector de la Escuela de Bellas Artes.

Ese mismo año pintó el cuadro "Horizontes" en el que se nota una marcada influencia de Millet. Allí presenta una pareja de campesinos que mira hacia el futuro. Este cuadro fue muy comentado por todos los críticos de arte de esta época y reproducido en muchos periódicos y revistas.

En 1917:- Pintó al óleo el retrato de "Niña" que luego fue adquirido por el Museo Nacional de Bogotá (Nº 2135).

1920 : Esculpió el busto en mármol de Antonio José Cadavid, el cual se colocó en el patio del antiguo edificio de la Facultad de Derecho de la Universidad Nacional.

1921: Modeló el busto del General Nicolás Perdomo, el cual fue colocado en el Cementerio Central de Bogotá.

Ganó en 1922 el concurso del proyecto de la estatua de Rafael Núñez, escultura que luego fue enviada a París y fundida en bronce por el escultor colombiano Marco Tobón Mejía.

Actualmente se encuentra en el patio sur del Capitolio Nacional, en Bogotá. Esta obra le valió al artista, severas críticas por parte de sus copartidarios liberales.

1923: Nombrado Director de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, realizando una gran labor. Hizo una estatua de Uribe Uribe para Girardot.

Pintó "La Costurera" en 1924, dicha obra se encuentra en el Museo Nacional de Bogotá (N" 2134).

1926: Realizó los siguientes bustos con sus respectivos relieves: Coronel Atanasio Girardot,General José María Córdoba, y Coronel Juan José Rondón. Estos bustos se inauguraron en el Parque del Centenario, de donde fueron trasladados en 1960 a la Avenida de Chile.

Renunció en 1927 a su cargo de Director de la Escuela de Bellas Artes.

1928 : Pintó al óleo el cuadro: "Brumas", hoy en el Museo Nacional de Bogotá (N° 2130).

1929: Pintó "El Bohemio", hoy en el Museo Nacional de Bogotá (N° 2121), magnífico retrato del caricaturista Lince.

1930: Escribió un artículo, analizando la pintura de Miguel Díaz, en el "Cromos", 18 de enero de 1930, Bogotá.

1930: Ejecutó otros bustos: busto de Aquileo Parra para el Parque del Centenario de Bucaramanga. Busto en bronce del doctor Simón Araújo, para la tumba del ilustre pedagogo en el Cementerio Central de Bogotá, y el bajo relieve alegórico para la misma. Allí presentó un grupo de alumnos en el momento de recibir la enseñanza del maestro, quien imprime las ideas en el cerebro de uno de ellos.

El 10 de septiembre de 1930 fue nombrado académico de número de la Academia Colombiana de Bellas Artes correspondiente de la de San Fernando de Madrid.

1931: Participó en el I Salón de Artistas Colombianos. 1933. Dibujó a lápiz su autorretrato, publicado en "El Gráfico" el 18 de mayo de 1935.

1933 : Se inauguró el busto en mármol de Santiago Pérez el cual fue colocado en la Avenida Colón.

1934: Publicó en "Iniciación de una Guía de Arte Colombiano", los siguientes artículos: "Epifanio Garay"; "Ricardo Acevedo Bernal"; "Roberto Pizano". Realizó análisis muy buenos de la obra Pictórica de estos tres artistas. Bogotá, 1934.

1935 : Se le encargó el retrato del doctor Zea Uribe, obra que no pudo terminar debido a que en mayo 11 de 1935 murió en Bogotá, por un ataque de asma. Ese mismo año León Cano organizó una exposición póstuma de más de 100 obras del Maestro, en el Salón Central del Capitolio Nacional.

La importancia del Maestro Cano dentro del arte nacional radica en sus grandes dotes de profesor ya que la mayoría de sus discípulos sobresalieron después, no sólo en la pintura, sino en la escultura, Cano supo inculcar en ellos amor a la belleza, buen gusto y pasión por el arte. Su pintura muy académica de dibujo exacto, colorido discreto, y muy influenciada por las escuelas europeas de fines del siglo XIX. Su composición siempre fue acertada y manejó con destreza la perspectiva.

OBRAS

Su legado: Escultura, Paisajismo, Retratismo y Dibujo. A pesar de pinturas religiosas tales como: El Cristo del Perdón, expuesto en Medellín que es una composición de 3 m. de altura con figuras de tamaño natural. Un bautismo de Cristo, también en Medellín; un Divino Redentor, en el Paraninfo de la Universidad de Antioquia, y la Virgen de los Lirios.

Sus paisajes que se encuentran en muchas colecciones particulares. Como pintor de temas históricos dejó un tríptico, que primitivamente estuvo en la Gobernación de Bogotá, hasta que en el año de 1948, fue trasladado al Museo Nacional, con lo cual se salvó de ser incendiado en el Palacio de la Gobernación, el 9 de abril de 1948, compuesta de 3 partes a saber: El Páramo de Pisba, Bolívar Vencedor, y el Juramento de Nariño. En la Escuela Militar de Bogotá se encuentra otra obra titulada: "Paso de Vencedores".

Entre sus ESCULTURAS, además de las mencionadas anteriormente, hizo los medallones en piedra de Luis Vargas Tejada y José Fernández Madrid para la fachada del Teatro de Colón de Bogotá (hoy ya no se encuentran en este lugar) ; la fuente para la plazuela de la iglesia de San José, en Medellín; el busto del periodista Fidel Cano, en la oficinas de "El Espectador"; el busto del General Uribe Uribe, en el Museo Nacional de Bogotá; copia del busto de Atanasio Girardot, en Medellín: busto de Uribe Uribe en Girardot. Existen obras del maestro Francisco Antonio Cano en el museo de Antioquia Ala Norte del segundo piso.

Horizontes:

Torso femenino:

La voluptuosidad del mar:

El cristo del perdón:

Darío Morales

2010-01-02T23:27:00.000-08:00

Darío Morales (Nace: Cartagena, Colombia. Muere: 1944 París, Francia 1988).

Dibujante, grabador y pintor.

ESTUDIOS:

Estudió desde la adolescencia en a Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal. En 1962 ingresó a la facultad de Artes de la Universidad Nacional de Bogotá. Viajó becado a París a estudiar grabado en el Atelier 17 de S.W. Hayter.

PRINCIPALES EXPOSICIONES COLECTIVAS:

Su primera exposición de importancia fue en la Biblioteca Nacional. Ese mismo año contrajo matrimonio con Ana María Villa, quien fuera la modelo de gran parte de su obra erótica.

X Exposición Panamericana de Artes Gráficas, Cali, 1970

Primera Bienal Americana de Artes Gráficas, Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali.

XXII Salón de Artistas Colombianos, Museo Nacional, Bogotá. 1971

- III Bienal de Arte Coltejer, Medellín. 1972

Primer Salón Nacional de Artes Plásticas Jorge Tadeo Lozano, Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá. 1972

- "32 Artistas Colombianos de Hoy", Museo de Arte Moderno, Bogotá 1973

- "Realismo y Realidad", Darmstad, Alemania. 1975

"Dibujantes Colombianos", Museo de Arte, Universidad Nacional, Bogotá.

"Academia y Figuración Realista", Museo de Arte, Universidad Nacional, Bogotá.

- "Plástica Colombiana del siglo XX", Casa de las Américas, La Habana.

"Los Novísimos Colombianos", Museo de Arte Contemporáneo, Caracas.

- "Realismo y Pintura Latinoamericana: Los Setenta", Center for lnter-American Relations, Nueva York. 1980

- "Homo Sapiens: Las muchas imágenes", The Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield, Connecticut. 1982

- Feria Internacional de Arte, Basilea. 1983

"Cien Años de Arte Colombiano", Museo de Arte Moderno, Bogotá; Palacio Imperial, Río de Janeiro; Centro Cultural Paulista, Sao Paulo; Centro Italo-Latinoamericano, Roma; Centro Cultural Avianca, Barranquilla. 1985 - 1986

- "Arte Colombiano Contemporáneo", Pabellón de las Artes, Expo Sevilla 92. 1992

PRINCIPALES EXPOSICIONES INDIVIDUALES

1971 - Galería Belarca, Bogotá.

1972 - Pyramid Galleries, Washington, D.C.

1977 - Aberbach Fine Arts, Londres.

1978 - FIAC, Grand Palais, París. Aberbach Fine Arts, Londres.

1982 - Aberbach Fine Arts, Nueva York.

1983 - Salón Cultural Avianca, Barranquilla.

1984 - Retrospectiva, Museo de Arte Moderno, Bogotá.

DISTINCIONES:

Premio de Pintura en el VII Salón Francisco A. Cano (1963)

En 1970 - Premio en dibujo, X Exposición Panamericana de Artes Gráficas, Cali.

En 1972 - Premio, I Salón Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá.

Medalla Instituto Colombiano de Cultura (1986).

Su obra forma parte colecciones públicas de los siguientes lugares:

Museo de Arte Moderno, Bogotá. Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali.

Museo de Arte, Universidad Nacional, Bogotá. Galería Corcoran, Washington, D.C.

Museo de Arte Moderno, Münich. Metropolitan Museum and Art Center of Miami.

Expuso reiteradamente en Estados Unidos y Europa. Su obra, tenía gran contenido teatral y erótico, alejada de la vanguardia, donde el cuerpo femenino era representado en forma casi fotográfica. La obra de Manet y de Ingres lo influenciaron en su universo pictórico.

Murió en París en 1988, a los cuarenta y cuatro años, de una penosa enfermedad

Sin título:

Mujer en el sillón:

Torso:

Mandarinas:

Pedro Nel Gómez:

2009-12-11T09:37:00.000-08:00

Pedro Nel Gómez (Anorí, Antioquia julio 4 de 1899 - Medellín, junio 6 de 1984). Ingeniero civil, fue además fundador y decano de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín, urbanista, pintor, escultor y muralista Colombiano. Al lado de Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, ha sido uno de los más importantes muralistas latinoamericanos del siglo XX.

De 1912 a 1920. Estudió dibujo y pintura en una escuela libre de Medellín. Luego de 1924 a 1925. Continuó con sus estudios de arte en Bogotá. Al mismo tiempo trabajó como arquitecto ayudante de la oficina del arquitecto colombiano Pablo de la Cruz.

En 1925 viajó a París , Venecia , Roma y Holanda. Entre 1925 y 1930: Vivió en Florencia, en donde estudió pintura con Felice Careno y Charamonti. En 1926 se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia, También continuó con sus estudios de Arquitectura en la Academia de Arquitectura de Florencia.

Pintó: Obras al óleo presentadas en la Exposición Latinoamericana de Roma, 1926: Amazonomaquias, El Martirio de San Jerónimo, La señorita Inoccenti.

En 1928 participó en la Exposición Internacional de Florencia. Ese mismo año fue Secretario de la Exposición de Pintores latinoamericanos en Roma (33 expositores).

De 1930 a 1932 lo nombraron director de la Escuela de Bellas Artes de Medellín. En el Museo de Antioquia es posible ver una decena de sus murales más famosos.

Fue nombrado en 1933 miembro de la Academia Colombiana de Bellas Artes, correspondiente de la de San Fernando en Madrid.

Expuso en el Salón Central del Capitolio Nacional de Bogotá, más de 100 cuadros

En 1939 se gradúa en la Universidad Nacional de Colombia sede Medellín como ingeniero civil.

Su labor como arquitecto fue también de gran importancia, y diseñó la Escuela de Minas de Medellín, el cementerio universal de esta misma ciudad, diseño y construcción de la Facultad de Química de la Universidad de Antioquia, que hoy es el Colegio Mayor de Antioquia, y su casa-museo situada en el barrio Aranjuez.

Murales: De 1934 a 1939 La primera grande obra fue la decoración del Palacio Municipal de Medellín con 11 murales, hoy Museo de Antioquia: Allí se plasmaron aspectos muy interesantes de la vida antioqueña. Los temas más relevantes tratados en estos murales son: "La muerte del minero"; "La sopa de los pobres"; "Maternidad americana"; "Cosecha de café", etc.

Durante la misma época denominada el "Primer Ciclo de Murales" pertenecen las que realizó en su propio estudio (hoy Casa Museo): Homenaje al pueblo antioqueño, Murales de la Escuela de Minas de Medellín, Murales en el Aula Máxima de la Facultad de Química de la Universidad de Antioquia, que hoy es el Colegio Mayor de Antioquia.

1940: Expuso en el I Salón de Artistas Colombianos con los óleos

Participó en 1948 en el Salón de los 26, que tuvo lugar en el Museo Nacional de Bogotá. Este salón agrupó a los artistas de la vanguardia de la pintura colombiana.

Obtuvo en 1949 un premio en el Salón Nacional de Pintura "Tejicóndor". Por orden del Alcalde de Medellín, fueron cubiertos sus frescos del Palacio Municipal, por considerarlos "inmorales". También se le prohibió ejecutar frescos en los edificios públicos.

De 1949 a 1959: Decoró todos los muros de su estudio y de su casa con frescos inspirados en mitos antioqueños.

Participó en el Salón Bienal de Madrid con: "Retrato de Leo"; "Retrato de Mujer" y "Mineros" en 1951.

Realizó varios frescos para la Escuela de Minas de Medellín en 1954 , e hizo los alto relieves en piedra que dan ingreso a la facultad. En la cúpula del Aula Máxima realizó un fresco que representa "El Amor y la Fecundidad"

También hizo varios frescos para el Banco Popular y de la República y el Instituto de Crédito Territorial.

1959 - Hizo una exposición de sus obras en Medellín, y en 1960 participó en el Salón de Arte Contemporáneo en el Museo Zea de Medellín.

En 1962 realizó otros murales: Uno para la Facultad de Ingeniería, otro para los Seguros Sociales y otro para el Sena. Ese mismo año fue condecorado a la dignidad de "Profesor Eméritus" de la Universidad Nacional.

1968 Inició los murales de la Universidad de Antioquia, Medellín. Y el año siguiente ejecutó el mural de la lucha de la vida por la muerte en la Universidad de Antioquia.

1970: Recibió premio por el Instituto Colombiano de Cultura por su dedicación al arte.

1973 – 1975: Construyó la Casa Museo Pedro Nel Gómez, que fue convertida en fundación el 15 de noviembre de 1975. Esta casa-museo tiene varios murales, 1.200 acuarelas, 200 óleos y una biblioteca de 4.000 volúmenes, que el maestro obsequió a la ciudad de Medellín

Trabajó en 1977 en un mural gigantesco de 144 metros cuadrados en donde representó toda la historia del país y sus riquezas. Expuso en 1978 en Moscú varios cuadros y proyectos para mural.

Esculturas: Tallas y esculturas en madera, mármol y bronce: Mujeres emigrantes (relieve en madera). Cacique Nutibara (bronce). Maternidades en reposo (relieve en madera). La barequera (talla en madera). Barequera melancólica (talla en mármol). Grupo de barequeros (talla en madera). Diógenes (talla en madera). Desnudos en reposo (relieve en madera).

Urbanista: Planificación del Barrio Laureles, y proyecto del barrio San Javier de Medellín, , también la planificación de la Ciudad Universitaria de Medellín.

Corno pintor siempre prefirió los murales al fresco, los cuales ejecutaba con una técnica especial creada por él, que impide que los colores que se encuentran a la intemperie se deterioren con el tiempo. Para ello empleaba una mezcla por medio de la cual las capas de hidróxido se convierten en carbonato de calcio.

Murales:

Mural en la biblioteca central de la Universidad de Antioquia:

Pintura:

Andrés de Santa María

2009-12-10T10:14:00.001-08:00

(Bogotá, 1860 - Bruselas, Bélgica, 1945). Reconocido como iniciador en Bogotá del impresionismo e importante artista impresionista colombiano. Ejerciendo una influencia definitiva en el arte Colombiano, pues introdujo técnicas nuevas en nuestra pintura y reorganizó la Escuela de Bellas Artes en donde adelantó una gran labor pedagógica. Además de ser un magnífico dibujante, Santa María con una paleta muy rica impresionó notablemente a los críticos de arte en Colombia.

Estudió en Bruselas primaria y secundaria en París. En París, conoció a varios maestros del impresionismo, como Claude Monet, que determinarían su búsqueda pictórica. En el año de 1862 fue llevado a Inglaterra en donde vivió parte de su niñez.

Luego en 1882 viajó a Francia en ingresando a la Escuela de Bellas Artes de París y estudió bajo la dirección de Fernando Humberto y Enrique Gervex. 1889: Pintó, para el Banco de Bogotá, el retrato de Matías de Francisco, el cual se encuentra todavía en poder de dicha entidad. También es de este año el gran óleo titulado: Lavadoras del Sena, hoy en el Museo Nacional de Bogotá. En 1893 regresó a Colombia.

Participó en 1897 en una exposición colectiva en la cual mostró unos caballos ejecutados con técnicas hasta entonces desconocidas por el público bogotano. Regresó a Europa.

En 1903 expuso en el Salón de la Sociedad Nacional de París el cuadro titulado: "Compañía de dragones ingleses" que llamó la atención por su audaz colorido.

En 1904 fue invitado por el Presidente de la República General Rafael Reyes, vino a Bogotá, e hizo una exposición individual de pintura en la cual exhibió: El Lavadero, Ejercicios de tiro al blanco, Las Segadoras, etc. Su exposición fue causa de interesantísimas polémicas. En ellas intervinieron escritores como Baldomero Sanín Cano quien le hace excelentes comentarios , Hinestroza Daza y Max Grillo.

Entre 1904 y 1911: Fue Rector de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. Creó la Escuela Profesional de Artes Decorativas e Industriales, que funcionó como anexa a la de Bellas Artes, en dicha escuela se enseñaba: Platería, Cerámica, Fundición y Talla en madera y piedra. También regentó las cátedras de pintura y escultura.

1906: Participó en una exposición colectiva en el Foyer del Colón. Varios retratos fueron exhibidos entre los que figuraron: Mantillas Bogotanas.

Pintó el tríptico del Capitolio Nacional, obra que le fue muy discutida. En él presentó a Bolívar dirigiendo la campaña libertadora.

1911: Regresó a Europa y estableciéndose en Bruselas. En 1922: Pintó el cuadro titulado: "Pietá". Luego en 1927: Participó en el Salón de París con el cuadro titulado: "Dos cabezas de Mujer". Esta fue una de las pinturas más apreciadas de Santa María, porque allí pudo realizar al fin la técnica que venía buscando desde hacía varios años.

1929: Participó en el Salón de la Sociedad Nacional de Bruselas, con un "Retrato de Mujer".

1930: Pintó el "bodegón con figura" que hoy se exhibe en el Museo Nacional. En diciembre 12 de ese mismo año, fue nombrado Académico Correspondiente de la Academia de San Fernando en Madrid.

En mayo de 1931: Se hizo una exposición de las obras de Santa María organizada por la Academia Colombiana de Bellas Artes.

1936: Obtuvo un gran triunfo en la exposición del Palacio de Bellas Artes de Bruselas

1937: Realizó una exposición retrospectiva en la Galería New Burlington de Londres. Allí presentó 125 telas que mostraron la evolución de su pintura desde el año de 1907.

El 29 de abril de 1945 : mientras vivía en su exilio voluntario en Bélgica, murió víctima de una infección renal a los 85 años de edad.

1948 : Se organizó una exposición póstuma de sus obras en el Museo Nacional de Bogotá. En 1949 se hizo otra exposición póstuma de las obras de Santa María en las Galerías de Arte de la Avenida Jiménez, y en 1971 el Museo de Arte Moderno de Bogotá, expuso un centenar de sus obras más representativas.

O B R A S:

En el Museo Nacional de Bogotá se encuentran: Marina (Nº 2111); Las Santas Mujeres (Nº 2112); Bodegón (Nº 2113); Autorretrato (Nº 2114); Anunciación (Nº 2115); Marina (Nº 2116); En la Playa de Macuto (Nº 2117); y Lavadoras del Sena (Nº 2118), Los Fusileros y La niña a caballo, fueron algunas de sus obras expuestas, que alcanzarían un amplio reconocimiento.

Segadoras:

Adolescente:
La música:

Carlos Correa

2009-11-26T21:12:00.000-08:00

(Medellín 1912 - 1985)En otras literaturas dice que falleció en 1978. Pintor, dibujante, reconocido grabador y ceramista. Estudió en el Instituto de Bellas Artes de esa ciudad. En 1925 Ingresó al Instituto de Bellas Artes de Medellín para estudiar canto y solfeo. En 1926 cambió dicho estudio por el de dibujo, a pesar de la oposición de su familia. En 1927 estudió pintura en ese instituto con varios profesores.

Abandonó en 1929 sus estudios para trabajar en un taller de fotografía en donde aprendió a retocar negativos

Fue catedrático de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, también fue docente en Medellín y Cali. Entre los años 1930 y 1932 volvió a ingresar al Instituto de Bellas Artes de Medellín, donde el pintorPedro Nel Gómez, mantuvo gran influencia en el joven artista. En 1933 Abandonó la Escuela de Bellas Artes, para estudiar por su cuenta. También se ganó algún dinero como profesor de pintura.

Fue catedrático de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, también fue docente en Medellín y Cali. En 1934 comenzó a pintar cuadros de temática socialista. Entre los años 1935 y 1936: Cambió la temática y realizó varios cuadros con "Maternidades" y "desnudos". En 1936 hizo su primera exposición individual en Medellín, que resultó un fracaso económico. El año 1938 se va a vivir a Bogotá, donde en agosto de 1940 hizo una exposición individual en las Galerías de Arte de la Avenida Jiménez. Participó en el salón Nacional de Artistas de Colombia en 1942 donde obtuvo el primer premio. En 1944 trabajó en Bogotá como profesor de acuarela de la Escuela de Bellas Artes. Se fue a vivir a Cali en 1949. Participó en la Bienal de Madrid en 1951.En 1952 realizó su serie: “Las trece pesadillas”. En 1958 trabajó en su famosa serie: “El mundo es libre”.

En el mes de agosto del año 1961 expuso en el Museo de Zea de Medellín. El año 1968 participó en el Concurso de Grabado organizado por la División de Artes Plásticas de Colcultura en la Biblioteca Nacional de Bogotá, y en la gran exposición sobre Plástica colombiana del siglo XX, organizada en La Habana en 1977.

En septiembre de 1978 publicó en la Corporación Prográfica de Cali la serie de grabados "Las trece pesadillas". Toda su obra expresa una crítica de la desigualdad social y de la alienación del hombre contemporáneo.

La prostituyente 1

La res pública

Ricardo Gómez Campuzano

2009-11-20T20:18:00.000-08:00

(Bogotá 1891-1981) con padres de sangre antioqueña.

Su obra más dentro de la escuela del arte figurativo no incursionó en el campo de la pintura moderna por no sentir esta nueva orientación del arte. Su material predilecto era el óleo aunque también trabajó con carboncillo, lápiz, pastel y acuarela. Su colorido es en general brillante, al igual que los pintores de la Escuela de San Fernando en Madrid. Sus temas predilectos han sido los paisajes colombianos y los retratos, siendo uno de los pintores colombianos más prolíficos del siglo XX pintando en todos los géneros: retrato, paisaje rural, paisaje urbano paisaje marino, costumbrismo, bodegón, interiores, temas con animales, históricos, de industria y por último, temas para ilustración.

Excepto muchos retratos, bodegones y algunos paisajes, el resto de los temas los trabajó a partir de pequeños bocetos que el llamó APUNTES; los tomaba del sitio con la luz del momento, en su gran mayoría al óleo, el resto a lápiz. Estos son trabajos rápidos y frescos que contienen la información suficiente para luego ser desarrollados en el estudio. La hechura de los apuntes al natural la hizo al estilo de la Escuela de Barbizón.

Ricardo Gómez Campuzano trabajó los estilos Académico e Impresionista; incursionó en el post impresionismo y el expresionismo. La gran mayoría de su obra es de estilo impresionista, influenciado por su maestro Joaquín Sorolla, profesor de pintura al aire libre y colorido en Madrid, España.

Su obra la han clasificado en cuatro etapas:

1. Época en la cual tuvo influencia de su maestro Ricardo Borrero Alvarez, y la Escuela de Bellas Artes en Bogotá.

2. Su formación en España en la Escuela de San Fernando.

3. Desde su regreso a Colombia hasta 1948.

4. La influencia del Canadá sobre su obra y por último, desde su regreso a Colombia del Canadá hasta su muerte.

Sin embargo esto es controvertido pues sus obras no tienen un cambio muy brusco en estas etapas, teniendo mas bien una continua evolución y búsqueda de luz y simplificación de las formas en su pintura desde el principio hasta el final. Al final de su vida sufrió una novedad en la retina, lo cual influyó mucho en cuanto a sus formas y colores.

En la exposición del Centenario de la Independencia (1910) obtuvo la primera mención con sus obras: La niña y el caballo y Sendero umbroso de Fusagasugá. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes con Ricardo Acevedo Bernal.

Conservó el primer premio de pintura de la Escuela, en 1911 y 1912. Luego de terminar sus estudios, el Congreso Nacional le otorgó una beca para perfeccionar sus estudios en Europa. En 1916 viajó a España, donde queda impresionado principalmente con la obra de su maestro Sorolla.

A partir del mes de julio de 1922, el gobierno colombiano le otorgó la Cancillería del Consulado General de Madrid hasta su regreso a Colombia. El 10 de junio de 1926 sus estudios obteniendo su título profesional de la Escuela Especial de Pintura Escultura y Grabado.

En 1928 asumió la cátedra de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Bogotá y al año siguiente sería el director de ese instituto.

Obtuvo el primer premio en el Primer Salón de Artistas Colombianos en el año de 1931.

Años después Cuelga en el Museo Nacional de Bogotá una exposición individual

Viajó con toda su familia al Canadá en el año de 1948.Tuvo una exposición permanente de su obra en la Galería de arte de los almacenes Eaton’s en la ciudad de Toronto. Expuso además en Nueva York y California.

Regresó a Colombia en el año 1951. Trabajó intensamente todos los temas traídos del Canadá y del Valle del Cauca, sin dejar a un lado sus salidas al campo para tomar apuntes en el altiplano cundí boyacense, Santander, Mariquita y regiones antioqueñas.

En 1964 a España, expuso en el Salón Goya del Círculo de bellas artes de Madrid, donde recibió una gran acogida por la calidad de su trabajo y por tratarse del regreso de un alumno de la Escuela de San Fernando después de 35 años de ausencia. Estuvo un año de nuevo en España, visitó pueblitos en distintas provincias de donde tomó millares de apuntes para desarrollarlos luego. Regresó a Colombia en 1965.

En 1976 fundó la Asociación Cultural Ricardo Gómez Campuzano con sede en su Casa Museo. En 1977 recibió la Cruz de Boyacá.

Fue condecorado en 1979 con la Cruz de Boyacá por el Dr. Diego Uribe Vargas Canciller de la República de Colombia en ese entonces.

Murió el 12 de octubre de 1981.

Portada:

Río Magdalena-apunte

RICARDO ACEVEDO BERNAL:

2009-11-11T09:51:00.000-08:00

Nació en Bogotá, mayo 4 de 1867 – Murió en Roma abril 7 de 1930. Pintor, importante retratista colombiano. Además cultivó la música folclórica y llegó a componer algunos pasillos. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes donde recibió enseñanza del pintor Pantaleón Mendoza. Practicó varios géneros en diversas técnicas, siendo el más exitoso el retrato al óleo y al pastel. Junto con Epifanio Garay (1849-1903) fueron los representantes más sobresalientes del retrato en el país.
En 1883 Recibió su primer premio de pintura en la exposición del 20 de julio de ese ańo. Entre las obras ejecutadas en estos primeros años se pueden mencionar dos retratos que se encuentran en el Museo Nacional: el de Alberto Urdaneta, y el de su maestro Pantaleón Mendoza.

Viajó a Nueva York de 1890 a 1898, allí fue discípulo del americano William Chase y el sueco Nohrmann. En este lugar conoció las nuevas corrientes de la pintura moderna. En 1894 fue nombrado miembro de la Liga de Artistas de Nueva York. Pintó La Niña de la Columna, actualmente en el Museo Nacional.

En 1898 a su regreso a Colombia fundando una academia de pintura.
Elaboró el retrato de su primera esposa doña Blanca Tenorio, que tiene gran reconocimiento. Galardonado en 1899 en la exposición “20 de julio”, con su obra La Sagrada Familia. Realizó el Bautismo de Cristo, que se encuentra en la Catedral Primada de Bogotá y la Virgen del Carmen, elogiados por del gran poeta colombiano, Guillermo Valencia.

Fue nombrado en 1902 Director de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, donde fundó un Museo. Pintó “el famoso Evangelista” que decora una de las pechinas de la Catedral. En 1903 - Viajó a Europa. Estudió en París con León Bonnat y Roberto Fleury, dos de los más ilustres maestros de la Academia Julián; y luego en los talleres de Jean Paul, Laurens y Joaquín Sorolla. Visitó también Espańa, Inglaterra y Asís.
1905 - Pintó el retrato de su seńora esposa dońa Rosa Biester, hoy en el Museo Nacional, y un gran cuadro titulado: "El Triunfo de la Virgen del Carmen". Al regresar a Colombia formó parte de la Sociedad Colombiana de Bellas Artes.
Obtuvo una Medalla de Honor en 1910, en la exposición del Centenario. En este año realizó para la Iglesia de la Veracruz un altar, que ya no existe, por las nuevas modificaciones que se le han hecho a la Iglesia desde 1960.
Nuevamente fue Director de la Escuela de Bellas Artes entre 1911 - 1918
Pintó el modelo para la ejecución de un busto en mármol de Cervantes en 1916, el cual fue colocado en la plaza España. Hizo un dibujo a carbón titulado: "Cabeza de Hombre", el cual se encuentra actualmente en el Museo Nacional.
En Abril 30 de 1928 fue coronado solemnemente en Bogotá, como uno de los mejores pintores del país, año en el cual también pintó el retrato del Padre Páramo, hoy en el Museo Nacional.
1929 - Viajó a Europa a donde fue enviado con el cargo de Cónsul de Colombia en Roma y participó en la exposición de Sevilla. Murió en Roma y allí fue sepultado en abril 7 de 1930.
Acevedo Bernal fue el mejor retratista de la primera mitad de nuestro siglo. Su obra se caracteriza por la delicadeza con la que manejó la gama cromática.
Obras famosas: Retratos de: Bolívar, Gonzalo Jiménez de Quesada, Antonio Nariño, La niña de la columna y Cervantes, Rafael Reyes, Carlos E. Restrepo.
Pantaleón Mendoza, Francisco Antonio Cano; los músicos José María Ponce de Rosa de Acevedo (1905), Inés Marroquín de Vargas (1906), Inés Pérez de Cuervo (1910) y Elvira Zea de Samper (1924), La batalla de Boyacá, entre otros.
Fue un apasionado de la música tradicional colombiana y compuso además los pasillos: Croquis, El diluvio, y Sideral, entre otros.
Algunas obras:
Bolivar:

Gonzalo Jimenez de Quezada:

Francisco de Paula Santander: